El tiempo/ Kim ki-duk/Corea del sur-Japon/2006 (4/5)

En algún momento de El tiempo, la más reciente obra del Coreano Kim Ki-duk (Hierro 3, Primavera, verano, otoño, invierno…y primavera), a los protagonistas se los ve golpeando con mucha rabia un árbol grande y, por supuesto, viejo, expresando de esta manera un enojo hacia lo efímeros que somos, en comparación al árbol, que probablemente tiene mas de 300 años. Seguramente el árbol envejecerá, pero nosotros lo hacemos con tanta rapidez, que llegamos a sentir que nos ha faltado tiempo para vivir lo suficiente.

Éste paso del tiempo, en muchos casos, queremos frenarlo o disimularlo a través de nuestra apariencia, recurriendo a dietas y productos de bellezas hasta llegar a los extremos de hacernos una cirugía. Reacción que refleja tanto como los avances tecnológicos y el sistema capitalista nos convierte lentamente en Robots, cuyas piezas, hoy en día, podemos mejorarlas o hasta cambiarlas y no es en vano que en nuestro medio se apliquen terminologías como “tuneada” para designar a cierta chica que se puso o saco algo luego de una visita al quirófano, como un auto que acabó de hacerse chapería.

Partiendo de estos temas, la película gira en torno a Seh-haa, una mujer que tiene ataques de celos cada vez que su novio Jim-woo habla o se acerca a otra mujer. Llevando su crisis e inseguridad al extremo, ésta reacciona violentamente ante estos hechos sin disimular, avergonzando así a Jim-woo quien por su parte reacciona con una increíble calma. Así, un día Seh-haa decide cambiarse el rostro, desapareciendo 6 meses para reaparecer en la vida de Jim-woo, y reconquistarlo. No que éste haya perdido el interés por ella antes de la cirugía, resulta nada más que es una obsesión de Seh-haa.

En principio la premisa suena inverosímil y extremista, pero no es más que una excusa para tratar un tema tan actual y delicado como es el caso. En Japón y Corea cientos de mujeres mueren cada año a causa de una intervención de este tipo demostrando no solo una actual obsesión por la (supuesta) estética sino una superficialidad extrema a causa de la tan insertada cultura de la imagen.

La película va creciendo en ritmo y se vuelve cada vez más intrigante hasta tomar (a pesar de ciertos toques de humor) un aire de triller, sin convertirse en esto del todo. Los personajes se van hundiendo lentamente hasta convencer de su locura al espectador, quien no dejara de sorprenderse con el desenlace del film.

La capacidad de Kim Ki-duk de generar una poética visual se hace evidente en momentos en que los personajes recorren un parque con grandes esculturas, mirándolas con cierta pasión y envidia y deseando ser como ellas, representando así el deseo de una cultura posmoderna con miedo a la muerte que piensa que, a través de la estética, puede ocultar su vacío interior y evitar lo inevitable.

La cinefilia de los Simpsons

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Un amigo mio me pasó este link donde podemos ver algunas recreaciones/homenajes/referencias/copias/parodias…o lo que sea, de varias peliculas, en Los Simpsons. Cada cosa que se encuentra en la web!. Pongo algunos de los mas interesantes, pero hay una gran cantidad en la publicacion de eso que se conoce como Taringa!

Salud!!!

Criticas de audiovisuales nacionales en EL PORORO

Es complicado escribir criticas de las producciones nacionales, ya que de seguro, en un medio tan chico como el nuestro por ahí nos encontramos con los realizadores en la calle y estos no siempre están de acuerdo con las criticas. Eso no significa que ablandamos, todo lo contrario, cueste lo que cueste, moleste a quien moleste, hay que criticar. ¿Quienes salen ganando? Los mismos realizadores, y por supuesto, los espectadores.

El mes pasado sucedió algo gracioso; del blog El Yacare me preguntaron si no quería escribir una critica sobre Minotauro, de Luis Aguirre. En esos días justamente estaba escribiendo una critica de la misma obra para El Pororó. Me gusto la idea de escribir dos criticas, diferentes (aunque lleguen a lo mismo) de la misma obra, para los dos blogs. Fue un desafío interesante y me pregunte ¿Como hacerlo si la idea o mi juicio sobre la obra es el mismo? pues nada mas decidí encarar ambas criticas de manera diferente; mientras la del blog El Pororó, que es de cine, desmenuza la obra con mas profundidad en cuanto a cinematografía se trata, y también es mas larga; la del Yacare, que es un blog cultural, no especializado, la encare da manera mas generalizada y, por lo tanto, mas breve, pero igual de útil.

La criticas las pueden leer aquí:

En El Pororo
En El Yacare

Críticas de otras producciones nacionales:

El regalo de Sofía
El Reflejo

Es interesante la Critica a la Critica, ya que sin una respuesta, uno no puede conocer sus errores, aprender y mejorar, lastimosamente, poca gente lee y contesta o deja algún comentario.

Salud!

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull/Steven Spielberg/2008 (2,5/5)

Cuando en 1980, Lucas y Spielberg diseñaban el personaje de Indiana Jones, se habían inspirado en las típicas tiras cómicas y las viejas películas y seriales de serie B de aventura mezclados con James Bond, creaban inteligentemente una especie de renacimiento, parodia y homenaje al mismo tiempo hacia el género, insertando esos personajes imposibles en un entorno verosímil. No es en vano que Indiana Jones sea en realidad el Prof. Henry Jones Jr, como si tuviese una identidad secreta, con anteojos incluidos, al estilo Clark Kent, los cuales ya no necesita cuando entra en “acción”, lo que podría considerarse un sutil broche de oro al diseño del personaje. En 2008, luego de casi 20 años de ausencia y espera, entre proyectos frustrados y otras negociaciones hollywoodianas, llega la cuarta entrega del ya clásico personaje de aventuras ochentoso, con la idea de revivir la franquicia cinematográfica y presentar el personaje a una nueva generación de espectadores.

El problema es que lo que funcionaba en los ochenta ya no funciona ahora y no se debe a la madurez del público sino a la exigencia de este pues hoy en día ya casi nada sorprende a los espectadores anestesiados por la cantidad de información visual que se recibe entre videojuegos y películas llenas de efectos infograficos que muestran cosas que antes con los animatronics de Stan Winston o Jim Henson (ahh! aquellos tiempos) no se podían lograr. Con un inicio de siglo que se trae aventuras como El señor de los anillos y Los Piratas del caribe, producciones que explotan hasta mas no poder las ventajas creativas de la era de la información, ya vimos Orcs, Trolls, Spidermans, King kongs y todos los bichos habidos por haber con todos los tipos de ángulos y movimientos de cámara sofisticados posibles, se supone que es mas fácil cautivar al publico con películas de aventuras llenas de acción y efectos, pero con eso los realizadores se olvidan que tiene que haber un guión, en lo mínimo interesante y consistente, que justifique semejante carnaval.

Mientras que en las tres películas anteriores el público vibraba cuando una esfera gigante perseguía a Indiana, o este protagonizaba una frenética persecución en rieles subterráneos y peleaba con los nazis sobre tanques en movimiento que terminaban en un precipicio, en esta, por mas tecnología que se tenga, lo máximo que nos puede ofrecer Spielberg es una interesante persecución en moto y algunas escenas que intentan sorprender pero que no logran ni siquiera mejorar a las anteriores producciones y además la historia no logra interesar suficiente al espectador. En fin, no hay nada nuevo y nace la pregunta, que ya tiene respuesta, pero que igual vale la pena insistir: ¿Para que ($) hacer otra película de Indiana Jones? que viene acompañada de otra pregunta ¿Para que mas Rambos ($), Rockys($), Mclaines($), etc.?

Esta vez nos sitúan, junto con el personaje, en plena guerra fría cuando Indiana es perseguido por militares rusos que quieren servirse de su conocimiento para buscar un poderoso cráneo de cristal perteneciente a una civilización perdida, y cuyo poder, evidentemente, quiere ser utilizado por estos para la “dominación del mundo”, y lo peor de todo; sin consultar antes a Pinky y Cerebro. Por el camino nuestro héroe se encontrara con el joven Mutt (Shia La Beuof) con quien se embarcara en busca de tal cráneo para así encontrar al amigo de Mutt, un viejo compañero de universidad de Indy llamado Ox (John Hurt) quien ha desaparecido y se sospecha ha sido secuestrado por los rusos y su bomb…quiero decir, los malos.

El guión escrito por David Koepp a partir de una idea de George Lucas, que es resultado de una mezcla de varias historias que se fueron proponiendo durante el intento de hacer la película, que incluían el mundo perdido de la Atlántida y el cráneo de un rey mono en china, se entrevera, se complica (por así decirlo) con el intento de parecer interesante, pero lo cierto es que peca de ridículo e incoherente, si bien la idea base suena bien (trece cráneos posiblemente extraterrestres, ¿Jesús y los 12 apóstoles, talvez?), a medida que se desarrolla la película cada vez mas se pierde en un laberinto del cual ni los personajes ni el guionista saben como salir, optando por soluciones poco creíbles para todo lo que se armaron y limitándose a explicaciones artificiales y confusas (intentando ser profundas) como cuando alguien pregunta de donde vienen ciertos seres obteniendo la ridícula respuesta: vienen del espacio entre los espacios. Al final de la película el espectador no se entera de nada, de que, ni de porque de todo lo que se vio.

Además, el buen humor y el dinamismo característico de las anteriores producciones, especialmente los conflictos entre los personajes (por ejemplo Indiana y su Padre), apenas esta logrado, y aunque Harrinson Ford sigue tan carismático como siempre, poco puede hacer frente a las situaciones cada vez más improbables (bomba atómica incluida) que el guión lo obliga a protagonizar, y debemos olvidarnos del Indiana Jones que se lastimaba y sangraba pues parece que beber del cáliz sagrado en La ultima cruzada lo volvió casi invulnerable. Cate Blanchet parece haber salido de un dibujo animado como la villana Irina Spalko, un personaje patético que no tiene peso para que en algún momento nos preocupemos de lo que ella es capaz de hacer a los buenos. Por su parte Labeouf y Karen Allen (quien solo aparece con la excusa de un romance) están correctas.

De rodas maneras, la película divierte lo suficiente como para olvidarnos de todos sus defectos y es beneficiada, además de la presencia ya casi mitológica del personaje, por una excelente ambientación de época, un diseño de producción admirable, los aspectos técnicos impecables como siempre, y la banda sonora del emotivo Jonh Williams que nos trae el tema clásico que a los fanáticos (como quien escribe) les introducirá un aire nostálgico pero al mismo tiempo rancio, como desfasado en el tiempo.

No hay duda que Spielberg esta cada vez más mediocre, lo que es una lastima puesto que cuando se pone las pilas demuestra su potencial. Y si la pasamos bien con esta nueva película se debe al carisma del personaje y las ganas de ver a éste en acción nuevamente luego de tanto tiempo, aunque para los que tenían muchas expectativas, sea una gran decepción.

10.000 A.C. /Roland Emmerich/2008 (2/5)

Sinopsis:

10,000 B.C. persigue a un joven cazador en su misión de guiar a un ejercito a través un vasto desierto, luchando contra tigres dientes de sable y predadores prehistóricos, mientras descubre una civilización perdida y intenta rescatar a la mujer que ama de un guerrero malvado empeñado en poseerla. (jajaja)

Critica:

La ultima película del director de cine espectáculo Roland Emmerich solo funciona como una aventura en un principio, interesante, pero de calidad bastante reprochable. Si, hablamos de Emmerich , el otro amo de la destrucción y el espectáculo, responsable por Independence day, Godzilla y el Día después de mañana, que compite con Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor, Transformers), el amo de la destrucción, numero uno en hollywood. Y el cine de Bay no es que me gusta tanto, pero no me queda otra que, una vez mas, afirmar que este es mucho mas creativo y superior que Emmerich, lo que se comprueba en esta película.

Presentándose como la típica película de aventuras con todos los ingredientes clásicos; doncella en peligro, una profecía, el héroe que debe reafirmarse para salvar al pueblo, un maestro, los malos, etc., la historia es una mezcla de Apocalypto con Pathfinder, muy inferior a la primera y apenas superior a la segunda, respectivamente. Es que lo que uno espera de este tipo de películas es diversión, claro esta, pero estamos hablando de una super producción de Hollywood del director que domina los efectos especiales, el mismo que nos trajo una de la mejores batallas con aviones y naves extraterrestres, si hay algo que se espera de Emmerich, como mínimo, son las secuencias de acción espectaculares, cosa que crea cierta espectativa y termina decepcionando. No hay nada e creatividad en esta película, duele decirlo, empezando por el pésimo guión, siguiendo con es cast (en especial el actor principal Steve Straight, quien, aunque simpático, pareciera que acababa de salir de una sección de fotos de calvin clain y no se parece en nada a un cavernicola), terminando con las pésimas secuencias de acción, con planos confusos y nada creativos, en el piloto automatico.

Es que no hay nada rescatable en esta película además de los efectos especiales y lo interesante que es ver Mamuts y tigres dientes de sable. Y ya que entramos en este tema, hablemos de lo interesante que puede ser un hacer este tipo de películas. En la publicidad misma ( Era una época cuando el hombre y la bestia eran salvajes y el gran mamut recorría la tierra. Fue una época cuando nacieron las ideas y las creencias que forjaron a la humanidad para siempre, jajaja).se encargan de vendenos que el hombre, la naturaleza salvaje y las creencias bla bla bla…, algo que, con solo imaginarse la cantidad de bichos que poblaban con el hombre en aquel entonces, ya da escalofríos. Una vez mas la publicidad engaña (que novedad, caramelo por el descubrimiento) pues lo salvaje y las bestias solos son el telón de fondo y excusa para efectos especiales, nada mas.

Cuando, años atrás, salia del cine de ver El Patriota, pensaba que por fin Emerich estaba madurando como director, pues por mas que El Patriota fuese una película mediocre, tenia varios puntos altos y era muy superior a cualquiera de su obra, con excepción de Stargate. Lastimosamente me he equivocado y he comprobado una vez mas que el otro amo del espectáculo esta en picada, y si ya he dudado en ver 10.000 AC, para la próxima ya aprendí.

De todas maneras, y muy a mi pesar, esta película funciona como puro entretenimiento para las grande masas, especialmente niños, que la quieran pasar bien sin usar el cerebro, en lo mas mínimo y probablemente, como tal tendrá éxito. Además tiene algunos detalles de fantasía o mitología que lo hacen interesante, pero no lo salva. Así, esta película es capaz de provocar una experiencia tan facinante para mi en el mundo, pero horrible luego de ver una película: el deja vu.

Michael Clayton/Tony Gilroy/2007 (4/5)

“Yo no soy de las personas a las que se eliminan fácilmente” declara Michael Clayton, personaje interpretado por George Clonney, en algún momento critico de esta película nominada al Oscar como mejor película en este año.

Y nos preguntamos ¿Quién es Michael Clayton? No es solo la persona que se limita a solucionar los problemas del prestigioso bufete de Abogados en donde es imprescindible, tampoco se limita a ser el hombre que sabe demasiado y que tiene todos los contactos. Más que nada, es un ser humano que, paradójicamente, no puede aplicar su trabajo a su vida personal, convirtiéndose en un personaje aun más interesante y complejo.

Cuando el abogado Arthur Edens (Tom Wikilson) sufre una crisis de conciencia a causa de estar defendiendo a una Corporación importante acusada por la muerte de varias personas, el buffet llama a Clayton, quien además es amigo de Arthur, para encargarse del conflicto. Esto desencadena en una serie de situaciones que se complicaran gradualmente y que podrían costarle la vida a los personajes. Además, Clayton debe sobrellevar su divorcio, la relación con su hijo y una deuda millonaria que le dejo su hermano por un restaurante.

Con todo esto, Michael Clayton es un personaje que trata de mantener la calma y resolver las situaciones de la manera más discreta posible y no duda en usar sus contactos en la policía para conseguir información u otros papeles. Y a medida que la cosa se complica, este se muestra cada vez más nervioso e inseguro contagiando la tensión al espectador, gracias, tanto a los meritos de Clonney, como al guión. Por otro lado esta Karen Crowder (Tilda Swanton) quien prácticamente personifica la corporación y esta dispuesta a todo para protegerla, sin darse cuenta del alcance de sus acciones, llega a convertirse en un monstruo bajo la imagen de una mujer decente, amable y educada que solo quiere el beneficio de su empresa, y Swanton demuestra una vez mas su calidad para interpretar papeles que la hagan pasar constantemente de registro, por ejemplo; como en un momento en el que sugiere una acción terrible de la manera mas inocente posible.

Así, Michael Clayton goza de un interesante grupo de personajes que constantemente se debaten entre hacer lo correcto o lo mejor para si, lo que no necesariamente coincide, y hasta los que menos tiempo tienen en pantalla, se presentan bien diseñados. Mientras Arthur dentro de su estado emocional paranoico y explosivo sorprende al demostrar en algunos momentos una cordura y un conocimiento impresionante, Marty Bach (Sydney Pollack), como la cabeza del buffet y amigo de Clayton, demuestra ser  un hombre preocupado no solo por la posible destrucción del buffet, sino por sus amigos, aunque no dude en participar de manera tangencial en la idea de un soborno amistoso.

Dirigida y escrita por Tony Gilroy, guionista de la trilogía Bourne, y quien debuta en la dirección, la película es otro interesante ejemplar de la nueva, o no tan nueva, ola de producciones de Hollywood, como  el Jardinero Fiel (de Fernando Meirelles) en las que las grandes corporaciones hacen el papel del villano, cosa que, intereses de por medio o no, demuestra la apertura hacia un cine mas comprometido, y no es coincidencia que George Clonney, quien actuó en Syriana, y dirigió Good nigth, Good Luck, proyectos críticos políticamente, se haya involucrado nuevamente en esta producción  que, además de ser un producto que funciona comercialmente, también funciona artísticamente, y tiene la virtud de tratar un tema complejo y trascendente poniéndolo al alcance de las grandes masas, lo que ya de por si es un merito.

Sobriamente filmada, con un buen ritmo, buenas actuaciones, y una banda sonora minimalista pero evocativa, y por lo tanto, efectiva, esta producción solo pierde un poco de fuerza en el tercer acto, que además de predecible,  presenta un climax poco impactante para todo lo que anteriormente preparaba la película, pero que, de todas maneras, no la perjudica y no le quita la alta recomendación de este humilde redactor.

Iron Man/Jon Favreau/2008 (4/5)

Sinopsis:

Tony Stark(Robert Downey Jr.) es un genio multimillonario fabricante de armamentos para los militares, quien es secuestrado por el enemigo y es obligado a fabricar un arma para ellos. Para salvarse, fabrica una armadura y se libera, decidiendo así mejorar el prototipo para combatir a los mismos que compraron sus armamentos.

Critica:

Es difícil, como fan de los comics, dar una opinión sobre cualquier adaptación cinematográfica de un personaje, porque, por mas que el comics se asemeje al cine en lo visual, al fin y al cabo es otro soporte, con otra narrativa, y tal vez lo mas importante; es otro publico. Por lo que existen casos en que los fans de los comics no están conforme con la adaptación de tal o cual personaje, algo muy común, por lo mismo que ya aclare anteriormente.

Así, llegamos a esta nueva adaptación del personaje de la Marvel Comics Iron Man creado por Stan Lee y Jack Kirby (y otros dos), que no solo funciona como entretenimiento puro, sino también como una denuncia sutil sobre la carrera armamentista del gobierno Estadounidense, pues el personaje principal Tony Stark pasa de ser un cínico fabricante y proveedor de armamentos , a un hombre arrepentido y preocupado por el alcance de sus acciones, o mas bien, de sus inventos.

Ya al inicio de la película, Stark es secuestrado y rápidamente nos presentan el contexto del personaje ,con un flashback, en el que vemos la vida de lujos y abusos que lleva para luego contraponer con la oscura cueva en la que esta cautivo. Sin perder tiempo y con un buen ritmo, los hechos son tratados con bastante realismo dentro de lo posible, lo que da cierta verosimilitud a lo que se va generando; una historia de superheroes. Así, acompañamos el proceso de construcción de la armadura y las diferentes pruebas con esta, que sirven para que el espectador no quede tan perdido frente a tal alarde tecnológico.

Bien dirigida por Favreau (Zathura), lo mejor de la película son las escenas de acción bien logradas y los buenos efectos especiales. Pero el mayor peso se lleva Downey Jr. (Chaplin) quien no solo sorprende por el hecho mismo de ser seleccionado para interpretar a un héroe de acción, sino también ofrece una excelente actuación, dándole complejidad al personaje y retratando sutilmente los cambios emocionales de éste. En cuanto al resto del elenco, hace todo lo posible para sobrevivir a sus personajes llanamente diseñados.

Y es aquí en donde entramos en el punto débil de la película, el guión. Si bien el ritmo de la película es bueno, y además encontramos cierto contenido critico respecto al mercado de las armas de bien integrada orgánicamente, la trama no termina de convencer estableciéndose casi como la típica de superheroes y los personajes secundarios, en especial el Villano, no tienen gran peso dramático como para estar a la altura del personaje principal funcionando como meros agregados necesarios en la historia; el villano (Jeff Bridges), la chica (Gwneth Paltrow) y el mejor amigo( Terrence Howard). Además, el conflicto final es resuelto de una manera torpe y floja para todo lo que se venia preparando la película.

De todas maneras, el guión también tiene el merito de trabajar bien al personaje principal dándole motivaciones bastante creíbles para que éste se convierta en un héroe. Además, otro merito del guión es la gran fidelidad al comic y algunos detalles que los fans agradeceran, como la ya famosa aparición de Stan Lee y otras sorpresitas.

También beneficiada por una interesante banda sonora rockera y un diseño de producción espectacular, Iron Man puede ubicarse entre las buenas adaptaciones de comics como Spiderman I y II, X-men I y II y Batman Begins, aunque un poco inferior a las dos ultimas citadas, se puede decir que vale la pena su visionado y garantiza un buen entretenimiento con algunas reflexiones de por medio, algo que siempre se agradece en estas producciones ultra comerciales.

No country for old men/Ethan y Joel Cohen/2007 (5/5)

Sinopsis:
Llewelyn Moss (Josh Brolin) un hombre común que encuentra una camioneta rodeada por varios hombres muertos y dos millones de dólares. Moss decide quedarse con el dinero y empieza a ser perseguido por los contrabandistas quienes se valen del asesino Anton Chigurh ( Javier Bardem) para ir tras el, al mismo tiempo que el Sheriff Ed Tom (Tommy Lee Jones) los sigue el rastro tratando de impedir que Moss sea atrapado.

Critica:

La película empieza con la reflexión de Ed Tom sobre los viejos tiempos en Texas, en los que, aunque nadie pueda creerlo, los policías ni siquiera portaban armas. Siguiendo con el relato nos cuenta sobre crímenes terribles que ocurren por esas tierras, al mismo tiempo en que vemosimagenes del desierto de Texas que, como un complice , es silencioso y polvoriento; con una belleza irónica. Entonces, lentamente, empezamos a presenciar una serie de hechos violentos que nos muestran lo peor de la naturaleza humana. Y conocemos a un asesino que mata gente con un compresor de aire que es utilizado para matar ganado, simbolizando lo que significa la humanidad para el personaje.

Presentándose como una especie de Western ambientado en los 80, esta nueva película de los hermanos Coen, quienes hacen un cine muy norteamericano (respecto al contenido), y adaptado por ellos mismos a partir del libro de Corman Mcarthy, cuenta sobre personajes que se encuentran frente a situaciones que lo superan. Como es costumbre del cine de los Coen, la mala fortuna siempre esta presente y es hasta banalizada por lo que la historia les viene como anillo al dedo. Pero en este caso, el típico humor negro de los hermanos desaparece para retratar los hechos así como son, sin que esto lo haga perder en delicadeza y el tono critico.

Magistralemente realizada, la película tiene un ritmo lento pero a la vez tenso. Se toma el tiempo para presentar y desarrollar a los personajes y resulta bastante entretenida; mezclando largas pausas con tensas escenas de acción. No que la acción abunde, pero cuando llega el momento es manejada con mas fuerza que cualquier ejemplar del genero de acción.

Pero el fuerte de la película son los diálogos, llenos de metáforas y elaborados poéticamente; no existen desperdicios en ninguna palabra de los personajes. Además la estructura narrativa es atípica; cuando consideramos que a un personaje le seguiríamos en toda la película como protagonista existe una ruptura cambiando a otro personaje quien sera en esa linea el protagonista, algo con lo que jugoHitchcock en Psicosis.

Las actuaciones refuerzan al ya consistente guión. Por un lado Josh Brolin hace una excelente interpretación como Moss, un hombre común que hace todo lo posible para sobrevivir pero que tiene mucho que perder, lo que lo hace vulnerable, por otro,Tommy Lee Jones quien no necesita hacer mayor esfuerzo para entrar en el personaje del cansado y viejo Sheriff , quien también es responsable de los pequeños toques de humor, cargados de ironía, y de las reflexiones sobre los hechos estableciendo una relación critica con el espectador.

Pero evidentemente la película es de Barden, quien encarna al mejor villano de la historia del cine gracias a una actuación contenida y tensa; y cuando vemos al personaje por primera vez nos acercamos lentamente mientras éste esta cometiendo un crimen para percibir en su rostro un profundo placer y locura, esto también gracias a la fotografía contemplativa, natural y sutil deRoger Deakins que juega con las luces y sombras y opta por leves movimientos de cámara. Y en cuanto a los aspectos técnicos, no solo se destaca la fotografía sino el sonido, cuya elaboración minuciosa permite lograr tensión a través de sonidos provenientes de otros espacios; como un teléfono o un disparo.

Sacando al espectador de la sala de cine con un sentimiento de pesimismo e insatisfaccion, tanto por su mensaje como por su final, el cual no caerá bien a la gran mayoría del publico, esta película propone una meditacion sobre la capacidad del hombre de hacer el mal y como uno ya no puede estar seguro en el mundo. Como el mundo ya no es para los debiles…

Promesas del Este/David Cronemberg/2007 (4/5)

El director canadiense David Cronemberg ha tenido, en su trayectoria cinematográfica, una filmografía irregular con varios altibajos comerciales, pero de una calidad innegable que viene desde sus inicios desde el terror más tosco a los dramas más complejos, sin salirse del todo del aire macabro. Descuartizado a veces por la crítica y el público, este incomprendido genio que nos da, en cada película, una lección violenta y sanguinaria sobre la complejidad del ser humano, se ha convertido en un cineasta de culto y películas como Scanners, Madame buterfly, La Mosca o Crash jamás serán olvidadas por los cinéfilos pues cada una, para bien o mal, ha dejado una huella en la historia del cine, y porque no, en la historia de los mismos cinéfilos. Para Cronemberg, el mundo no es tan sencillo como se muestra en las películas, y eso lo demuestra, irónicamente, en sus películas, en donde los personajes están constantemente serpenteando entre lo bueno y lo malo, lo correcto e incorrecto, la perversión y la naturaleza, todos elementos que vienen de la mano y hacen parte de nuestra humanidad enfermiza y que para el director, a veces esto implica nada mas que una cuestión de elección, sea buena o mala, o ninguna de las dos.

Así, estamos en Londres, en los barrios de inmigrantes rusos, y aparece una joven embarazada que se desangra y luego fallece en el parto dejando un diario escrito en ruso y a su recién nacida hija al cuidado voluntario de la enfermera Anna (Naomi Watts) quien realizó el parto, y quien decide averiguar sobre el pasado de la joven y va a parar en el restaurante de Don Semyon (Armin Muller – Sthal) quien de apariencia sencilla y benevolente, es nada menos que el líder de una familia de la mafia rusa y demuestra interés por dicho diario que puede incriminar a su hijo Kiril (Vincent Cassel) . Poco a poco Anna se involucra en el submundo del crimen y prostitucion y conoce al chofer Nikolai (Vigo Mortensen) con quien podría empezar una peligrosa relación, también así poniendo en riesgo a su familia.

Mientras que en Una historia de violencia se abría un debate sobre si podemos juzgar a un hombre por su pasado oscuro luego de llevar una vida ejemplar (dentro de lo que la sociedad considera) en esta nueva película nos encontramos con una especie de segundo capitulo en el cual nos propone lo inverso pues nos involucramos en ese entorno oscuro al principio y los posibles efectos de meterse en un mundo en el cual uno no pertenece y con eso explorar lo que hay oculto en cada palabra, gesto o acción del hombre.

Es el caso de Anna quien, perteneciendo a una familia moralmente decente, debe decidir entre arriesgar su seguridad y hacer lo “correcto” u olvidarse de todo, como ya lo propusiera el mismo Semyon. Pero no es solo Anna quien debe elegir, pues a medida que se involucra Nikolai en la ecuación, este también debe tomar ciertas decisiones, correctas o incorrectas que conllevaran a sus efectos. Así, una vez más Cronemberg juega con la moral de los personajes y del espectador poniendo en tela de juicio que es realmente lo correcto o no y cual es el precio de una elección.

Como es típico de su cine, ya en la secuencia inicial presenciamos dos actos bastante sangrientos sin ningún atisbo de sutileza, lo que además sirve para avisarnos, así como lo hacia al inicio de Una Historia de Violencia, del tono de lo que esta por venir, y la fotografía y las locaciones frías y mayormente oscuras, casi carentes de color, refuerzan el estado sombrío de la psiquis de los personajes que serán presentados y la tensión de los hechos intrigantes que vendrán a ocurrir.

El guión, escrito por Steven Knight, se encarga de trabajar cuidadosamente a los personajes incluso dando mas importancia a su desarrollo que a la trama en si, que tiene poco de original, pero que es beneficiada por la dirección de Cronnemberg y las actuaciones de Mortensen y Sthal, quienes logran componer los personajes mas complejos. Por un lado Mortensen, quien se entrega de cuerpo y alma al papel, compone Nikolai como un hombre frío, pasivo y peligroso, pero de repente, contradictoriamente sensible y con una determinación intimidante a la hora de reaccionar. En contraposición Sthal logra convertirse en un hombre gentil pero en el fondo terrible, sin dejar que su mascara de buen hombre sea permeable incluso cuando emana tal cantidad de maldad a través de sus acciones.

Resulta interesante además la exploración entre las relaciones de los personajes, por ejemplo el caso de Kiril, de quien se habla que es homosexual y lleva una extraña relación de amistad, o talvez atracción por Nikolai, teniéndolo a este como a su perro guardián y amigo al mismo tiempo, pues Nikolai, conciente de la acciones despreciables de Kiril, siempre se mantiene fiel a este, incluso no estando de acuerdo con lo que se lo encomienda y Vincent Cassel no hace mayor esfuerzo para encarnar al desagradable y antipático Kiril, tipo de personaje que se convirtió en una especialidad del actor. Por su parte Naomi Watts tampoco resalta demasiado porque su papel no la exige, pero es bastante efectiva, gracias también a la fotografía y el maquillaje (o la falta de este) que deja ver las arrugas connotando el desgaste físico y psicológico de Anna. Además es interesante la extraña relacione de esta con sus familiares.

Con escenas de violencia grafica y proponiendo una de las secuencias de pelea mas realistas ya vista, que por el lugar y la situación en la que se desarrolla podrá desagradar a los mas “sensibles” (de hecho estos no son recomendables para el cine de Cronemberg), la película falla al intentar plantear un final muy fácil pero a la vez ambiguo y seudo-feliz recurriendo a una elipsis un poco molestosa, pero que no perjudica a la película tanto como la narración en off de la chica muerta, cada vez que alguien lee el diario de esta, que suena melodramática e innecesaria, y rompe con la estética de la película.

Pero bueno, Cronemberg no es perfecto, así como sus personajes y esperemos que ninguno cambie, para el bien del cine.

Estudio 1:Brian De Palma

Tratare de escribir brevemente sobre las peliculas que vi recientemente, algunas por primera vez, otras no, algunas buenas, otras malas, algunos placeres culpables, etc., en fin, en este caso, decidí hablar exclusivamente de las películas de Brian De Palma.

Brian De Palma es uno de los directores de la generacion de Scorsese y Copolla, subvalorado por la critica, a veces tildado de plagiador o copion por reinterpretar tomas o escenas de Hitchcock y otros cineastas a quienes evidentemente admira. Para mi, un maestro en cuanto al dominio de la tecnica y lenguaje cinematografico. Sus movimientos de camara y planos siempre sorprenden por su inventiva. De Palma es un arquitecto del cine ya que la contrucccion de sus escenas esta perfectamente diseñada, con ritmo, matices, armonias, colores, tensiones. Juega con el espacio y el tiempo. Tambien juega con el espectador a veces, y eso es lo que molesta un poco, aunque el espectador quiere ser engañado, hasta cierto punto. De vez en cuando De Palma se pasa de la raya. Director admirable en el aspecto visual y descuidado en sus guiones, y eso , a veces, es imperdonable. Con todos sus defectos, para mi sigue siendo un grande.

1- Blow out -1981 (3/5)

Ademas de Carrie, esta es una de las peliculas que lanzo a un mecado mas comercial a De Palma. La pelicula tiene mucha inspiracion de la Blow-up de Antonioni y va mas alla de esta presentando toda una trama de conspiracion y asesinatos bien movida, con mucho suspense. John Travolta esta bien en su papel, pero Nancy Allen esta insoportable y eso juega en contra de que nos preocupemos por su personaje. Intenso y bien manejado en el primer acto, la pelicula empieza a decaer en el segundo acto hasta casi destruirse totalmente en el tercer acto, al que solo le salva los ultimos 5 minutos en donde DePalma nos tira un valde en la cabeza (asi como a la pobre Carrie) con una escena ironica y amarga que, ademas, casi rima con el comienzo de la pelicula. Se destacan en esta obra algunas constantes de su cine como los grandes espacios, los planos secuencia, la utilizacion de profundidad de campo y los contrapicados. Respecto a lo tematico, nos encontramos con el recurrente voyeurismo del director, algo heredado del maestro del Suspense. No es lo mejor de De Palma pero merece ser visto.

2- Los Intocables – 1987 (4/5)

De Palma no habia tenido exito en taquilla con su Doble de Cuerpo, pelicula que, ademas de ser decuartizada por la critica como plagio a Rear Window (hay parecidos pero no es para tanto, que barbaro!!!), fue un fracaso de publico. Asi, cuando recibe el guion de David Mamet sobre una adaptacion de la serie de TV, Los intocables de Eliot Ness, este tiene la oportunidad de repuntar, y con estilo. Con una puesta en escena imponente y un elenco impecable que incluye, muy a mi pesar, a Kevin Costner, actor que siempre me parecio mediocre pero que aqui se sale bien como Eliot Ness, y dos grandes haciendo contrapeso como De Niro y Connery, la pelicula es una reinvencion del genero de gangsters y goza de secuencias que quedaron para la historia; como el asesinato de Malone (Connery), el tiroteo en la escalinata (claro homenaje a El Acorazado…) y el discurso de Capone (De Niro) que, intercalando un contrapicado con un paneo desde el centro de la mesa, termina con Capone rompiendo la cabeza de un hombre con un bate de basebol. Malone es, a mi consideracion, uno de los mejores personajes del cine, construido minuciosamente por Mamet, De Palma y Connery.

La ambientacion de epoca es magistral (sin ordenador, aquellos tiempos…) y la musica de Ennio Morricone es una belleza, una de mis favoritas. No obstante, De Palma se entrega a lo comercial en exceso y a lo politicamenmte correcto con el fin de recuperar la gran inversion, recurriendo a lo simplista, retratando a los malos como muy malos y a los buenos como muy buenos, aunque De Niro como Capone esta simpatico igual, eso no favorece a una historia que tiene mucho de cine negro y de lo cual pareciera que quiere escaparse.

Aunque esta entre las peliculas que mas me gustan duele decir que no es perfecta, pero igual la seguire viendo las veces que quiera… ISH!

3- Carlitos Way – 1993 (5/5)

Nuevamente masacrado por la taquilla y la critica, injustamente por La Hoguera de las Vanidades, y merecidamente por Rising Cain, nuestro querido De Palma vuelve apostar en grande con algo mas comercial. Llega a sus manos el guion escrito por David Koepp, adaptacion de las novelas Affter Hours y Carlitos Way de Edwin Torres, y cuenta con Al Pacino para el papel principal. El resultado, lo mejor de De Palma. Ojo, claro que la obra no es perfecta ya que, como siempre, De Palma descuida su historia y se rinde a algunos cliches, pero todo eso es salvado por su capacidad de hipnotizar al espectador con su puesta en escena. Al Pacino cierra un circulo como Carlito , un Tony Montana cansado, que ya olvido a su “Little Friend” para sentar cabeza, alejarse de la delincuencia y llevar una vida normal vendiendo autos en Puerto Rico. Pero, asi como la traduccion del titulo al español, Carlito esta atrapado por su pasado, y antes de cumplir ese sueño debe recorrer un camino de desarraigo, algo que sera dificil.

De Palma juega con motivos visuales como la playa y el barco, que representan el sueño de Carlito. Tambien juega con los colores; utiliza el rojo, ya sea en iluminacion, paredes o ropas, para vaticinar el sangriento destino de Carlito; por otro lado usa el azul en los momentos de incertidumbre. Encontramos varias rimas visuales y los tipicos planos cenitales, contrapicados, paneos largos, uso de teleobjetico y profundidad de campo. Se destaca el largo plano secuencia en la escena final en la estacion del tren que exige una planificacion impresionante de todos los movimientos. Tambien, aunque pocas, encontramos tensas escenas de accion, muy bien diseñadas de las cuales se destacan: toda la escena en el billar y el tiroteo en la escalera mecanica, en donde De Palma juega con el tiempo psicologico del espectador ya que el tiroteo ocurre mientras Carlito baja por la escalera y parece una eternidad (no hay ralentado).

Una historia que, a pesar de manejarse con una gran ironia, es de lo mas sensible del director y, para mi, una de sus mejores peliculas.

4- Femme Fatale – 2002 (2/5)

Sin duda De Palma fue decayendo en estos ultimos tiempos y, aunque Mision Imposible, Snake Eyes, y Mision a Marte sean peliculas que me hayan gustado mucho, debo aceptar que apenas pasan de lo regular. Pero siempre encontrarse con De Palma es un placer , no solo de cinefilo, sino de aspirante a realizador, ya que este no deja de soprendernos con algun que otro plano, movimiento o montaje bastante creativo. Y esta pelicula no pasa de eso, un mero ejercicio de estilo, con un guion interesante, aunque tramposo y mediocre, que no aporta gran cosa a no ser la presencia sexual de la actriz Rebecca R. Stamos, quien se suma a la lista de femmes fatales de De Palma. Un final traicionero termina de undir la pelicula, pero de todas maneras es un producto entretenido, especialmente para los locos por las rubias.

Aca cierro esta no tan breve reseña de las peliculas que pude ver en estos ultimos dias. En este caso realice un semi especial De Palma ya que vi esas cuatro peliculas recientemente. Sigo, eventualmente, ya que hay mucho por escribir…habia sido!

ADVERTENCIA: el texto, como se habran dado cuenta, contiene muchos errores ortograficos, estos se deben al apuro de su redactor, por publicar algo. Con el tiempo se ira corrigiendo hasta hacer desaparecer esta advertencia.