¿Hace 40 años que llegamos a la luna?…creo que ya habíamos llegado antes!

Hoy , 19 de julio de 2009, se cumplen 40 años desde que el “hombre” pisó la luna en el evento conocido como el paso mas grande de la humanidad para algunos, mientras para otros la conspiración mas grande del siglo XX.  Pero antes de eso ya habíamos llegado, primeramente de la mano de Julio Verne y H. George Wells, luego en 1902 de la mano del mago Melies con la obra clave de la historia del cine El viaje a la luna. No se si la llegada del hombre a la luna fue un paso tan grande para la ciencia como el de Melies para el cine ya que hasta ahora incluso pequeña parte de la comunidad científica, en especial la cristiana, se pregunta ¿Para que? ¿De que realmente sirvió que el hombre pise la luna?

Esto abre otro tema interesante que habla de la necesidad del hombre de buscar algo mas allá de nuestro planeta, de creer que no estamos solos como forma de vida inteligente, que nos lleva evidentemente a la búsqueda de Dios.

Algunos dicen que esta llegada a la luna fue una gran conspiración que dio la oportunidad a los Estados Unidos de demostrar superioridad en plena Guerra fría, y aquí les dejo un artículo que defiende esa teoría, que evidentemente carece de rigor científico pero es una hipótesis interesante para ponerse a pensar. Leer aquí. También se realizó un documental llamado “Algo extraño sucedió en el viaje a la luna” que habla también sobre esta mentira. Es casi poético el hecho de que la llegada del hombre a la luna sea antes que nada creible gracias al fenomeno audiovisual y que también la supuesta manipulación del  mismo sea la causa de las acusaciones de falsedad. Leer sobre el documental.

Tambien pueden leer aquí un especial sobre el tema, bastante completo.

Mi postura es que SI, al hombre le sirve llegar a la luna, a marte o donde sea y buscar algo mas allá de su existencia en este planeta y  explorar la Galaxia y ver que hay ahí.  Claro que antes de eso, primero tendríamos que preocuparnos de nuestro planeta, de nosotros mismos y solucionar nuestros problemas y luego dedicarnos a explorar.

Les dejo El viaje a la luna del mago Melies para que lo disfruten de 8 minutos de la magia que convirtió al cine en arte, no sale muy lindo pero ya se ve. Y también un interesantísimo video clip de Smashing Pumpkins llamado Tonight tonight dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Ferris, directores de Little miss shunshine, en el que se reinterpreta el Viaje a la luna, ademas de ser un excelentisimo tema de un grupo que me encanta. A propósito de “magos”, se viene un especial de Harry Potter!

Breve historia del cine. Parte 3

9 – La evolución del relato cinematográfico. El montaje de Griffith y Eisenstein

En 1908 el cineasta norteamericano David Ward Griffith utiliza la técnica del montaje alterno en espacios diferentes en una persecución, creando el suspense de mostrar dos hechos al mismo tiempo y relacionados. En su largometraje El nacimiento de una nación (1915). Griffith sintetiza todos lo elementos narrativos utilizados en cine hasta el momento. Utiliza el primer plano como elemento narrativo, antes utilizado por la escuela de Brighton pero con fines más experimentales. El montaje alterno dentro del mismo espacio se utiliza en la escena del asesinato de Lincoln, también vuelve a proponer el mismo montaje alterno en espacios diferentes en el final de la película. Utiliza los saltos de eje, dando dinamismo a las escenas y permite que el espectador comprenda todos los elementos del espacio. En Intolerancia (1916) Griffith da un paso mas presentando 4 historias diferentes que suceden en tiempos y espacios diferentes de manera paralela, proponiendo así el montaje paralelo

La escuela soviética

Finalizada la revolución rusa en 1917, a falta de recursos económicos, un grupo de cineastas empieza a teorizar y experimentar con el montaje. Uno de los mas importantes es Lev Kulechov. Su famoso experimento consistía en filmar a un actor con una sola expresión e intercalar la imagen del actor con un velorio, un plato de comida y unos niños jugando, el resultado era la impresión de que reaccionaba diferente frente a ambas situaciones. También filmo partes del cuerpo de mujeres diferentes y los compaginó en secuencia haciendo creer al espectador que se trataba de una misma mujer.

Luego de Kulechov aparece Pudovkin cineasta que desarrolla un estilo basado en el montaje y crea la teoría del montaje constructivo. Pudovkin sostiene que el montaje ya debe empezar en el guión y que consiste en representar visualmente emociones a través de la unión de planos y construir de esta manera metáforas visuales. Propone un montaje de contrastes inspirado en la literatura. La esencia de la poesía en el montaje se da con los contrastes. Para logra eso la estructura narrativa debe ser clara.

Sergei Mijailovich Eisenstein

Sergei Mijailovich Eisenstein (1898 – 1948) estudió ingeniería y se alistó en el ejército rojo, trabajo en el teatro obrero como director artístico. Ya en sus primeras puestas en escena utiliza recursos para provocar la reacción emocional en sus espectadores. Escribe el artículo llamado “el montaje de atracciones” en el que sienta las bases sobre su concepción del cine, rechaza el montaje como recurso de continuidad narrativa y postula la capacidad de la yuxtaposición de los planos para expresar nuevos conceptos.

Participó de la corriente constructivista soviética y se inspira en el teatro japonés Kabuki, en donde el significado de la obra se da en el conjunto. Eisenstein llama a las tomas “atracciones”, éstas tomas o atracciones pueden ser controladas para un efecto. Mientras que Pudovkim sostiene que se deben enlazar las tomas para que el público acepte el relato, Eisenstein, en vez de enlace dice que debe haber un choque para un público de co-creadores. Por el contrario a las teorías realistas de Pudovkim que dicen que la toma es un fragmento de realidad, Eisenstein sostiene que el realizador no toma un fragmento de realidad sino que compone (construye) y con esto creará significados en lugar de dirigirlos. La toma o atracciones consta de dos dimensiones según Eisenstein, una material que es la toma en si misma y otra espiritual que es la mente. El choque o atracción es una relación mente-materia. El cine comunica a través de “medios cinemáticos”. Existe movimiento tanto dentro de la toma como en su secuencia, este movimiento es un acto de creación a través del montaje. Uno de los elementos fundamentales del montaje de atracciones es el “ideograma” que consiste en el choque de dos ideas o atracciones, y que tiene como fin crear un significado a través de la participación intelectual del público. Así, como ejemplo tenemos la imagen: niño + boca = gritar, luego pájaro + boca = cantar. El montaje de atracciones se resume en una secuencia de choques que ocasiona una reacción y una participación del público, y fusionando éste concepto al de “máquina de arte” del movimiento constructivista tenemos que el cine funciona como una máquina de emociones construida de manera que cada elemento cumpla una función determinada para mover un todo.

Eisenstein crea una sinfonía visual que puede notarse en el choque del montaje en el Acorazado de Potenkin (1925) en donde varios ritmos diferentes construyen una de las secuencias más bien logradas, la masacre de la escalinata en Odessa. Propone tres ritmos: 1- El ritmo de los soldados del zar que se van acercando marchando monótonamente, 2- Un ritmo mas pausado de los soldados que disparan, 3- El ritmo de la multitud que huye desordenadamente. Estos tres ritmos están enfrentados entre si y hacen que al cortar antes que terminen los movimientos tenga dinamismo. Dentro de estos se encuentran otros ritmos secundarios como el bebe que cae en la escalinata, la gente que cae entre la muchedumbre y la madre que sube la escalinata. El montaje intelectual se destaca en la secuencia del león, donde se ven tres tomas, una del león acostado, otra del león sentado y la tercera con el león levantado, simbolizando el levantamiento del pueblo.

En su teoría del montaje, Eisenstein propone una clasificación:

Montaje métrico: consiste en tomar trozos de películas de la misma longitud y compaginarlas de manera que produzcan un compás igual a la música.
Montaje rítmico: cada toma dura lo que debe durar gracias a la acción interna. Al compaginarse se crea otro ritmo nuevo.
Montaje tonal: se busca un tono determinado en cada toma para ponerlos en relación con una secuencia, con el mismo tono. Estos elementos pueden ser la iluminación, composición etc.
Montaje sobretonal: Un sello que imprime toda la estética de la película, así como el montaje tonal pero más amplio y marcado.
Montaje intelectual: dos tomas que tiene una continuidad temática entre si pero que generan otra toma en la mente del espectador. Lograda mediante la yuxtaposición de dos tomas cinematográficas.

Referencias:

- Las principales teorías cinematográficas, Duddley Andrew.

- Manual del director de cine, Leonardo Polverino.

- Historiad del cine, teoría y géneros cinematográficos, Eduardo Noriega.

-Wikipedia, enciclopedia libre.

Breve historia del cine. Parte 2

7- El cine sonoro

Teóricamente las películas ya eran sonoras antes del nacimiento del cine sonoro, porque siempre estaban acompañadas por músicas y diferentes sonidos en vivo en la proyección, lo que no había eran diálogos sincronizados con la imagen principalmente. El primer largometraje presentado originalmente como una película sonora fue El cantante de jazz, estrenada en octubre de 1927. Fue lanzada por la Warner, que en aquel entonces estaba en decadencia y vio en el sonido una salida para la crisis financiera.

Al principio los problemas eran técnicos puesto que el sonido y las imágenes se grababan y emitían a través de diferentes aparatos por lo que era difícil sincronizarlas. Los sonidos eran grabados en disco de vinilo y representaban los siguientes problemas:

1. Sincronización
2. Volumen de reproducción: Mientras que los proyectores de imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias más grandes de teatro, la tecnología de audio antes del desarrollo de la amplificación eléctrica no podía sobresalir para llenar satisfactoriamente grandes espacios.
3. Fidelidad de la grabación: Los sistemas primitivos de la era producían sonido de muy baja calidad a no ser que los intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de grabación (altavoces de trompeta, por lo general), imponiendo serios límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado en directo.

En 1919 se inventa la grabación de sonido óptico, que da la posibilidad de ponerla en la misma cinta de la película en la que será proyectada, perfectamente sincronizada así con las imágenes. Este sistema se conocía como sound on film. Paralelamente se avanza en la otra tecnología llamada sound on disc que traia un sistema de entrelazado conectado al proyector de cine. Sound-on-film finalmente saldría victorioso sobre sound-on-disc por un número de ventajas técnicas fundamentales:

• Sincronización: ningún sistema de entrelazado era completamente fiable, y el sonido podía desincronizarse debido a saltos en el disco o cambios de minutos en la velocidad de la película, requiriendo la supervisión constante y el ajuste manual frecuente
• Edición: los discos no podían ser editados directamente, limitando severamente la capacidad de hacer alteraciones en sus películas acompañantes después de la edición original
• Distribución: los discos fonográficos añadían gastos y complicación extra a la distribución de películas
• Uso y desgaste: el proceso físico de reproducir los discos los degradaba, requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte proyecciones

Sin embargo, en los primeros años, sound-on-disc tuvo ventajas sobre el sound-on-film de dos maneras considerables:

• Coste de producción y capital: era generalmente menos caro grabar sonido en un disco que en el celuloide y los sistemas de exhibición principales—tocadiscos/entrelazado/proyector—eran más baratos de fabricar que los complejos proyectores que leían los patrones de imagen y sonido requeridos por sound-on-film
• Calidad de audio: los discos de gramófono, los Vitaphone en particular, tenían un rango dinámico superior al de la mayoría de los procesos sound-on-film del tiempo, al menos durante las primeras reproducciones—mientras el sound-on-film tendía a tener una mejor respuesta en frecuencia, esto era superado por una mayor distorsión y ruido

A medida que la tecnología sound-on-film mejoraba, estas dos desventajas fueron superadas. Luego se introduce un sistema de audio amplificado mejorado de gran fidelidad que tiene la capacidad de cubrir el espacio del cine, así estaba completa la tecnología y lista para lanzarse.

No obstante el cine sonoro demoro 10 años hasta el cantante de Jazz para arrancar y los motivos fueron más bien económicos que tecnológicos:

1- Muchas carreras artísticas terminarían debido a la no relación imagen y sonido. Los espectadores tenían una imagen de los actores y no conocían su voz, por lo que se sorprenderían cuando escucharían la voz real de determinado actor y se decepcionarían por no corresponder a la idea que tenian de este. Uno de los directores que más rechazo el sonoro fue Charlie Chaplin pues pensaba que el personaje “Charlot” moriría si hablaba.

2- La actuación cambiaria, desaparecerían los gestos para dar lugar a la vos también ocasionando el fracaso de varios actores.

3- Se debían modificar las salas de cine y su sistema de proyección para la película sonora, y eso implicaba un amplio costo.

4- Los estudios no tenían aislamiento acústico, y además las cámaras eran muy ruidosas aun y eso dificultaba. También aparece el sonidista en el estudio cinematográfico.

5- La distribución tiene problemas a causa del idioma. Es las primeras películas sonoras se realizan dos o tres tipos de rodaje de la misma escena en varios idiomas. Alfred Hitchcock rodó una de sus primeras películas en alemán con un actor famoso alemán y en ingles con un actor famosos ingles. Las películas de Stan y Oliver (el gordo y el flaco, también eran rodadas en varios idiomas y eran los mismos actores los que hablaban.

6- Se tendría que prescindir de la orquesta que acompaña la película y del narrador, esto implicaba mucha gente sin empleo y además un gran costo de indemnización.

El cine sonoro presento otra dimensión, la palabra hablada, y cambio el lenguaje cinematográfico. Contribuyo en la espacialidad del cine.

8- Los aportes del cine Danes.

En 1906 se funda la Nordisk Film, uno de los más grandes estudios daneses.

En Dinamarca se crea la figura de Diva, una estrella de cine que mezcla la vida privada con su carrera, una figura pública fuerte.

Son pioneros en utilizar y perfeccionar el Typecasting, que consiste en la tipificación de los roles de los actores. Un sistema de distribución de papeles más practico en la industria. Proponían como un catalogo de actores que interpretaban determinado tipo de papel y lo encasillaban en este. De esta manera habían actores que solo interpretaban un tipo de papel especifico.

Los aportes mas importantes de ese primer periodo cinematográfico de Dinamarca se refiere al contenido. Juegan con la moral sexual y aparecen desnudos. Realizan el primer beso sexual del cine. Proponen triángulos amorosos.

El director más representativo del cine Danés en sus inicios fue Carl Theodore Dreyer, cuyas obras mas representativas son La pasión de Juana de Arco, Vampyr y Ordet.

Sobre cine sonoro mas info aquí

Sobre Dreyer mas info aquí

Breve historia del cine. Parte 1

En Francia, en 1892, los hermanos Louis y Auguste Lumiere, empiezan a trabajar en un prototipo que sirve para capturar la imagen en movimiento, inspirado en el kinetoscopio, el toma vistas y la fotografía, teniendo como baso el fenómeno phi conocido como persistencia retinaria. Crean el cinematógrafo que tiene la capacidad de de ser un toma vistas o proyector, por lo tanto, sirve de cámara y proyector. El fin del invento era militar y científico, los Lumiere no alentaban el potencial artístico del cinematógrafo. El 13 de febrero de 1894 se patenta el cinematografo y el 22 de marzo de 1895, se muestra en Paris en una sesión de la Société d’Encouragement à l’Industrie Nacional la conocidaLa sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»). El 28 de diciembre de 1895 en Paris, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, se proyecta la Llegada del Tren a la estación y la salida de los obreros de la fabrica Lumiere. Se cobra entrada para el acceso y nace así la primera función pagada de cine de la historia. Como los fines no eran artísticos, las filmaciones trataban de temas cotidianos, con la cámara estática que tomaba todo o cualquier cosa que sucedía en frente de esta, se conoció a esto como naturalismo documental.

2- George Melies y el cine como espectáculo.

En Paris, entre 1889 y 1890, George Melies trabajaba como dibujante, director de teatro y empieza a implementar ilusionismo en los espectáculos. El 28 de diciembre de 1895 es invitado por los Hermanos Lumiere a asistir a la proyección del cinematógrafo, decide comprarlo pero los Lumiere se niegan. (Se dice que porque no veían la utilidad de venderla). Entonces decide ver como funciona y fabrica su propio prototipo y empieza a realizar proyecciones al aire libre. Monta su estudio cinematográfico y experimenta con maquinas para innovar en la tecnología del cinematógrafo. Utiliza sus conocimientos de ilusionismo para jugar con los negativos, la sobreimpresión (cortar para hacer desaparecer y aparecer objetos), y trucos visuales nunca antes utilizados. Crea los fundidos a negro y desde negro. Utiliza el primer plano en Viaje a la luna (1902) y también se convierte en esta en la primera película de ficción o con trama. Nace el cine narrativo, como espectáculo y con posibilidades artísticas.

2- Charles Pathé y la industria cinematográfica

Chales Pathe fue el pionero de la industrialización del cine en Francia pues ve el cine como un negocio de espectáculo y sale de las atracciones de feria, por lo que en sus películas explora todo tipo de elementos para atraer al público. Usaba el realismo para sorprender, convirtiéndole en sensacionalismo, otra tendencia del momento. Se rodeo de un grupo de cineastas que provenían del teatro y el ilusionismo y produjo una gran cantidad e películas con escenas cómicas y fantásticas. Junto con Ferdinand Zecca, invento el noticiario cinematográfico, que consistía en una dramatización de los hechos ocurridos, que trajo más espectadores. Monopolizó el cine por medio de agencias. En 2 años creo agencias por todo el mundo. Participando en espala y asociándose al monopolio de Edison en Estados Unidos (otro monopolio). Implemento la producción horizontal que consiste en la producción y distribución de copias de manera masiva obteniendo grandes beneficios económicos. Así nace la industria cinematográfica y la persona del productor cinematográfico.

4- Otros hechos importantes:

- En 1909 en Pittsburg, se construye el Nickelodeon, la primera sala exclusivamente diseñada para la proyección cinematográfica.

- En 1914 estalla la primera guerra mundial y la producción cinematográfica se traslada de Francia a Estados Unidos principalmente

5- Inglaterra. La escuela de Brighton

Un grupo de fotógrafos ingleses, capitaneados por William Friese-Greene, aportó una serie de elementos importantes al entonces incipiente lenguaje del cine. Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins, integrantes de la denominada “Escuela de Brighton” -en alusión a la ciudad costeña donde iniciaron sus actividades- fueron pioneros en el desarrollo de diversas técnicas fundamentales de la narrativa cinematográfica que hacen diferencia con el teatro. Emplean los primeros planos, meten la cámara dentro de la acción, la utilización del travelling, ubican la cámara en diferentes ángulos proponiendo varios puntos de vista, utilizan el plano y contraplano. También ya implementan el montaje como elemento narrativo y dotan de simultaneidad a las acciones. La llegada del primer plano tiene sus efectos en las actuaciones y en el maquillaje. Antes con la cámara lejos del actor este utilizaba maquillajes que hagan notar sus facciones y además recurrían al Overacting (sobreactuación) con el fin de poner mas claro al espectador las emociones: todo esto cambia con los primeros planos, los actores viejos ya no pueden interpretar a los jóvenes y viceversa, además las gesticulaciones faciales deben disminuir.

6- Italia. El cine épico y la estrella de cine.

En Italia aparece el primer cine histórico o épico. La primera película es conocida como El sitio de Roma.

En 1914 se estrena Cabiria de Giovanni Pastrone, una película de género colosal y épico ambientada en la roma de las guerras púnicas de 2 horas de duración. En la época las películas eran cortometrajes, Cabiria seria el primer largo metraje. La película es la primera gran incursión al cine épico, que luego se convertirá en el género más importante en el cine Italiano de la época. Este género demandara grandes escenografias y ambientaciones, muchos extras y vestuarios. Exigirá movimientos de cámara como el Travelling tanto vertical como horizontal para mostrar los monumentales decorados. Pastrone empieza a utilizar la luz con fines estéticos, por lo que empieza a existir una planificación de la ubicación de la luz para el rodaje. La luz empieza a formar parte del lenguaje del cine y participa en lo dramático y narrativo. Los movimientos de cámara también son utilizados con fines narrativos para lograr efectos en el espectador a través del movimiento.

También en Italia nace la primera estrella cinematográfica, Lyda Borelli. Se empezó a dar importancia a los actores en las películas. La imagen de la actriz Lyda Borelli es utilizada para promocionar la película y atraer a los espectadores. La actriz tiene fama pública, y a partir de este fenómeno nacen otras estrellas cinematográficas.

Clasicos. El plano secuencia de Touch of evil

El plano secuencia inicial es uno de los mas interesantes en la historia del cine, como ya anticipaba en Citizen Kane, Welles demuestra un dominio de la técnica y narrativa cinematográfica moderna. Una coordinación de extras y locaciones bien pensadas, y ni que hablar del ritmo y movimiento de camara que se aleja y acerca acompañando al automovil con la bomba y a la pareja Charlton Heston y Janeth Leigh. El incomprendido Welles no pudo realizar el montaje de esta pelicula en su tiempo (1958). Mientras este estaba en España, los productores editaron a sus espaldas una version, la que fue estrenada. Indignado, Welles escribio una carta de repudio. En 2000 se edito en dvd la version de Welles con partes de la carta al inicio de los creditos. Una de las mejores peliculas de Welles e importante representante del cine negro, en su maxima expresion. El policia interpretado por Welles con un maquillaje y sobrepeso, es una de los personajes mas interesantes y complejos que intepreto el actor y director, un policia corrupto que vive en las sombras de su propia personalidad y sus acciones. Heston esta bien como el Policia latino aunque el asento molesta un poco. La historia es un poco complicada, motivo por el cual la cortaron los productores, pero no perjudica a esta obra maestra del cine negro. Welles juega con las luces y sombras de manera creativa y los encuadres y la profundidad de campo estan presentes como siempre en su filmografia. Muchos contrapicados nos ponen abajo de las aciones de los personajes. Sin duda una pelicula memorable y una leccion de cine.

Se encuentra versión integra de Metrópolis en Buenos Aires

8 de julio de 2008

Desde 1972 estudiosos del séptimo arte empezaron la búsqueda de una copia de la versión original de la película Metrópolis del alemán Fritz Lang de 1927, película considerada de gran importancia para la historia del cine y además de ser representante del expresionismo alemán así como las obras de Murnau.

La película originalmente contaba con 210 minutos en su primera exhibicion y no tuvo éxito por lo que la Paramout compro los derechos y termino cortándola a 92 minutos. En 2002 se realizo una restauración de la película que quedo en 123 minutos y fue lanzada el mercado del dvd.

En la edición argentina editada por el sello SBP en 2005, y por lo tanto a la que pude acceder, la película tiene una duración de 117 minutos y se puede notar, por momentos, que realmente faltan partes, porque aparecen carteles explicando acciones de los personajes que no se ven en pantalla pero que bien podrían ser mostradas en imagenes, lo que también demuestra falta de cohesión narrativa y por lo tanto que la obra original no debía haber sido tocada y que probablememente Lang y su esposa la guionista Thea Von Harbou tenían bien clara y estructurada la narrativa.

Esta semana salio un comunicado que se encontró en el museo de cine de Buenos Aires una copia integral que fue comprada directamente de Alemania en 1928 para su exhibicion comercial y que estaba guardada desde aquel entonces. La sorpresa fue grande y muchos no pudieron creer.

El destino de la película es viajar a Alemania y ser restaurada con el fin de dar a conocer al publico la versión original de esta obra maestra del cine mudo. Estaremos esperando ansiosamente todos los cinéfilos.