El Niño pez/Lucia Puenzo/Argentina/2009 (2/5)

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Uno de los estrenos mas importantes del 18º festival de cine de Asunción es la obra de la ya afamada  directora y también escritora Lucia Puenzo, quien en su anterior película XXY demostraba estar bien capacitada en ambas facetas, logrando congeniarlas  con una interesante propuesta visual y sutil. Puenzo nos trae el Niño pez, una película no tan lograda como la anterior. En esta, Puenzo abandona todo tipo de sutilezas, y la sofisticación de XXY solo se nota en su propuesta visual. Es en el guión donde nos encontramos con un producto lleno de artificios.

La historia se parece a una fantasía de una adolescente que vio muchas telenovelas mexicanas o argentinas, en la que la empleada domestica termina involucrándose con el hijo del patrón y sueñan con escaparse de la gran ciudad, solo que en este caso es la hija. Esta termina conociendo el mundo de esta empleada domestica “Guayi”, que además es paraguaya y habla guarani (el fetiche de la película), evidentemente tratando de comprender y de martillar las diferencias sociales con clichés. Esta relación puede terminar en tragedia o en una aventura policial en donde de repente aparecen los típicos malos bien malos y el acto heroico en busca de redención. Entre eso esta el mito de un tal Niño Pez que nada en el lago Ypoa (¿será así?) en Paraguay, que realmente queda en lo anecdótico.

A veces el querer abandonar los estereotipos hace que uno inconcientemente caiga nuevamente en ellos, así, el principal problema de El niño pez esta en que quiere ser un conglomerado de romance, drama, policial, con algo de poética mitológica fronteriza, y no se define a donde quiere llegar. La relación entre Lala y la Guayi es el eje de la narrativa, esta relación esta bien tratada y es creíble, pero el guión busca la necesidad de complicarla de manera artificial, creando conflictos obvios por celos y un asesinato de por medio que no aporta nada a la historia, a no ser dar pie a poner a prueba este amor entre ellas, algo innecesario, ya que desde un principio tenemos claro el amor que Lala, siente por la Guayi. Por lo tanto, casi todo el segundo acto del Niño pez podría haberse descartado, teniendo como centro de interés el viaje de Lala a Paraguay (No se donde filmaron eso) en donde nos encontramos con el personaje de Arnaldo Andre, que es interesante por su decadencia y vejez e interpretarse casi a si mismo, pero que gracias a los diálogos nuevamente artificiales y extremadamente explicativos, no logra llegarnos. La película esta bien planteada en su narrativa, fragmentada por flashbacks, que ayuda a mantener interés por los hechos. Pero es en el tercer acto en el cual la directora tira para cualquier lado y termina por desorientarnos, y no intencionalmente.

Nuevamente, Puenzo logra un interesante trabajo visual, en especial en las escenas en el lago donde juega con el realismo y la fantasía, en esto ultimo el Niño Pez acierta ya que es interesante el retrato de la inventada mitología de Mitai Pira, el niño del lado Ipoa, aunque al final la idea sea desperdiciada y usada para agregar otro elemento, predecible pero interesante, a la trama. Hay que decir que encontramos buenos y verosímiles momentos, como la escena del show de cumbia en la discoteca, que por mas breve, es el único momento en que se cree el mundo de los personajes por lo bien retratado que esta.

Las actuaciones se destacan, como siempre Inés Efrón, así como en XXY se entrega al papel de Lala, aunque nuevamente sus diálogos muy obvios la quiten cierta verosimilitud, por su parte la actriz Mariela Vitale convence como la Guayi aunque no le creamos el guarani.  Esta, además, protagoniza una de las escenas mas extrañas de la película en la cual el padre de Lala, el Juez, la pide que cante en guarani, y mientras ésta lo hace, si bien es cierto que canta bien, no pasa por un fetiche, o sea, así como está tratada la escena (y el guarani en toda la película) daba lo mismo que la Guayi se suba sobre la mesa a bailar de gatubela o con cueros ajustados, con un látigo. Talvez la Guayi quiere representar a la mujer abusada y utilizada por los hombres y la sociedad, pero eso se pierde en el momento que ella parece ser el objeto sexual de casi todos los personajes de la película, y de la historia misma.

Con todos sus problemas El niño pez es una película interesante, talvez pretenciosa al querer insertar temas como la trata de blancas, asesinatos y fantasía (realismo mágico me dijo alguien…) dentro de una historia que realmente creo que no lo pedía, dejando asi d e desarrollar bien a sus personajes, algo en lo que era el punto fuerte de su anterior película.

Por Sergio Colman Meixner

Gigante/Adrián Biniez/Uruguay/2009 (5/5)

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Hace un tiempo que no actualizaba el blog pero no podia dejar de hablar de esta película…

La producción cinematográfica latinoamericana se va fortaleciendo notablemente y es lindo encontrarnos con obras que vienen desde Uruguay, mientras que el foco de producción, al menos lo que más nos llega, se concentra en Argentina y Brasil. Podemos decir que el cine Uruguayo esta en un buen momento, desde la buena racha iniciada con  25 watts y Whisky, seguidos por las interesantes La Perrera y El Baño del Papa, nos llega Gigante.

Gigante es una película de detalles. Detalles en acción e imágenes, una película con pocos diálogos. Un cine que descansa en los personajes y sus relaciones, más que en una trama  con giros y artificiosos. El más apresurado a juzgar por el argumento podría pensar que se trata de una película aburrida y monótona. Nada mas lejos de lo que sentimos al acompañar a Jara, el guardia de seguridad de un supermercado, nuestro gigante personaje, en mas de un sentido, quien enamorado de Julia una limpiadora del mismo supermercado, pasa a espiarla rutinariamente.

La identificación con Jara es inmediata, este es un niño grande, introvertido, que escucha metal y demuestra tener buen corazón, y a pesar de su imponente figura transmite ternura. El guión se encarga minuciosamente de construir el personaje de Jara al espectador sin dejar de ser un personaje misterioso y fascinante ya que no sabemos realmente como este puede reaccionar ante distintas situaciones, lo que nos crea una importante expectativa por mas que ya lo estemos conociendo. Y se cumple perfectamente la premisa de que uno es lo que hace. Así, conocemos a Jara a través de sus acciones; de sus gestos y sus ojos. Su respiración pesada y forma parsimoniosa de caminar marca el ritmo de la película.

Todo esto no nos hubiese sido posible sentir sin la maravillosa actuación de Horacio Camandule quien con un minimalismo impresionante nos transmite mucho mas con sus gestos que con palabras. Hay una escena en particular en la que podemos notar este impecable trabajo actoral; Jara mira a Julia a través del monitor mientras esta se tropieza con una pila de papel higiénico, en ese momento Jara ríe y nosotros nos reímos con el, luego nos damos cuenta que la pila que cayo es inmensa, mientras Jara también lo hace dejando lentamente de sonreír, a la par que nosotros también lo hacemos y a medida que la cosa se complica para Julia, tanto Jara como el espectador empiezan a experimentar un sentimiento de culpa por la reciente risa. Este proceso emocional que conecta al espectador con Jara, dígase, no solo es merito del actor sino de una puesta en escena  que juega con los primeros planos de Jara y lo que éste ve en el monitor a través de acercamientos con la cámara de seguridad en un interesante montaje.

También resulta enigmática Julia (Leonor Svarcas) quien prácticamente es una idealización, no en vano el director y guionista Adrián Biniez opta por que la veamos muy pocas veces de cerca y que la escuchemos hablar poco, incluso los primeros planos de Julia (que los hay) son vistos a través del monitor, estableciendo una distancia. A medida que Jara hace su Hitchconiana persecución, así como acompañábamos a Scottie en Vértigo (Hitchcock, 1958) o al “Fotocopiador” en El hombre que copiaba (Jorge Furtado, 2002), cada vez mas aumenta nuestra fascinación por la perseguida, y así como el personaje que la sigue, tratamos de construir una imagen de Julia con lo que vemos a cierta distancia.

La narración juega con los puntos de vista de Jara, y es interesante, por ejemplo, como el mismo Jara  va construyendo un relato dentro del supermercado con las imágenes del monitor. También los juegos visuales  son acertados, en varios momentos se utilizan pantallas de televisor o monitores, fuera del supermercado, que establecen una ironía de cómo vemos nuestras imágenes y como el personaje al realizar esa persecución realmente lo que hace es buscarse, revisitar su imagen, saber quien es y como se ve a el mismo y lo que se experimenta al ser observado a través de otras lentes.

Muy bien realizada en 16mm y finalizada en 35mm, la fotografía de Arauco Hernández Holz tiene además un interesante granulado que refuerza el realismo propuesto por las locaciones y la dirección de arte de Alejandro Castiglioni que adquiere una interesante ambigüedad cuando entramos dentro del salón del supermercado tan iluminado y pulcro, en contraposición a los espacios de servicio de estos, con poca luz y mal cuidados. La puesta en escena es sencilla, con planos de interesante composición pero no rebuscados, opta por dejar que los personajes se muevan en el espacio y toma las distancias adecuadas cuando necesario. Vale destacar el plano del inicio en el que vemos a Jara caminando y como su gigante sombra, a medida que se acerca al destino, se va achicando. El diseño de sonido se destaca por jugar con sonidos ricos en detalle, como la ya mencionada respiración de Jara y música diegética.

El guionista y director Adrián Biniez

Sencilla, emocionante y con buenos y acertados toques de humor, Gigante, talvez decepcionara un poco en los minutos finales ya que, cómo resuelve algo que generó muchas expectativas puede no convencer al espectador, pero que a mi parecer es una opción acertada y tiene que ver con la estética propuesta ya que se cierra con una rima. Sin más nada que acotar, aunque haya miles de detalles, Gigante desde ya es un gran exponente del cine Uruguayo como Whisky  o 25 Watts, ambas también producidas por Control Z, la misma productora de Gigante, y por que no, otro paso grande para nuestro cine latinoamericano.

UP/Peter Docter y Bob Peterson/2009 (5/5)

Hace tiempo que la consigna de Pixar es hacer volar. No solo con este UP se plasma el pensamiento y la cosmovisión del estudio al mando del John Lasseter sino que ya desde Toy Story se puede decir que la animación ha cruzado un umbral de la imaginación y ha hecho volar a miles de espectadores.

Claro que la madurez de Disney también tiene que ver con este hecho ya que es esa relación estrecha y conflictiva, entre besos y patadas, con el más antiguo estudio de animación, que dio fruto a obras de una calidad innegable. Y la gran diferencia, y ventaja, sobre la competencia que seria Dreamworks esta en que mientras Pixar mantiene un lenguaje clásico y dentro de este propone mil y una variaciones sobre un tema, de manera inteligente, haciéndolo evolucionar, Dreamworks por su parte, además de no definir una línea de pensamiento, algo que Pixar la tiene clara, intenta crear un oposición en lo metalingüístico, la parodia de lo clásico como propuesta moderna, pero que resulta fallido y que muere en el mismo instante en el que se genera incluso teniendo caducidad temporal. No que obras como Shrek o La Era del hielo sean menores, hay que admitir su calidad, pero ambas solo tienen valor al ser contextualizadas para su interpretación, mientras películas como Wall-E, Ratatouille o UP, perduraran en el tiempo no solo por sus raíces clásicas sino porque están planteadas de manera trascendente y tendrán el mismo valor ya sea en el momento en que fueron engendradas como muchos años después.

Pero hablemos de UP, la película que nos interesa hoy. Demás esta decir que es otra obra con sello Pixar, lo que esta claro desde el primer fotograma. Aquí no encontraremos ninguna ruptura formal, sino lo mismo de siempre, un esquema formulado, pero mismo así, y en eso encontramos el ingenio, la obra es totalmente original y logra moverse creativamente dentro del esquema y propone nuevamente una temática humana y reflexiva, trillada dirán algunos, pero contada de manera excelente.

En los primeros minutos ya nos presentan una historia de amor que logra emocionar con una economía narrativa, prácticamente puro imágenes y elipsis,  en una secuencia impagable. A partir de ahí la película oscila entre momentos melancólicos, tristes, cómicos y de acción, que nos hablan de la aventura que es la vida misma y sobre como los sueños son artificios que a veces nos impiden de aceptar nuestra realidad, aunque los quisiéramos negar y por momentos se convierta en obsesión.

Cada animación de Pixar se supera en cuestiones graficas, aunque esta propuesta juegue mucho con la verosimilitud tanto en las formas y caracterización de los personajes como en las hechos mismos, en ningún momento se abre brecha con la identificación del espectador ya sea este un niño, adolescente o adulto. Aunque algunas cuestiones de diseño no cierren como el hecho de que Carl, aun siendo joven, tenga ya el aspecto de un anciano, cambiando prácticamente el color de pelo y agregándole algunas arrugas nada más cuando envejece.

La aventura además tiene como protagonistas a un anciano y un niño gordito que no son precisamente los arquetipos del género pero que de igual manera se demuestra que pueden funcionar como nexo con el espectador, y de manera irónica esto son contrapuestos con el aventurero cinematográfico clásico que los inspira. El que estos personajes sean de esta manera no es una limitación para proponernos una aventura repleta de humor y acción con personajes tridimensionales.

En cuestiones argumentales, vale mencionar, Up no es perfecta ya que tiene ciertos problemas con la verosimilitud del envejecimiento de cierto personaje que si nos ponemos a calcular ya debería haber muerto en el momento en que aparece en la película, mas aun teniendo como referencia al ya anciano personaje principal y además el mensaje principal que se descubre en el tercer acto es predecible por una pequeña desprolijidad del director Peter Docter y el guionista Bob Peterson. Pero esto no afecta al resultado final que merece nuevamente un lugar importante en el corazón de quien escribe, y me imagino, en el de gran parte del público ya que la experiencia es inolvidable.

Harry Potter y el enigma del principe/ David Yates/ 2009 (3/5)

Probablemente esta será la película de Harry Potter que más dividirá a la critica, al publico lector y no lector y es muy difícil hablar de ella.

Si buscara un grafico que represente esta película seria el de un puente, pero seria un puente con algunos accidentes bien elevados por el camino pero que vuelven a su forma recta enseguida, no de manera gradual sino brusca. Esa es la estructura de esta nueva película que poco es lo que realmente avanza en tanto tiempo ya que la historia parece no moverse con el fin único de servir como enlace entre la película anterior y la siguiente preparándonos para el gran final. Y es que además Yates, así como la anterior, no logra emocionar en la mayor parte del metraje, poco logra mantener el interés en la historia y llevar la narración con unidad y ritmo cayendo en una pesada monotonía de mas de 2 horas. Lo único que mantiene al espectador viendo la película es el cariño que ha sembrado ese mundo y sus personajes y las expectativas de saber que pasará con ellos. Poco se sabe sobre el supuesto enigma del príncipe y tan poca relevancia tiene que no nos sorprendemos cuando el supuesto enigma es revelado, y no porque no sea importante sino que cuando llega el momento porque ya pasó a un tema secundario.

Pero no todo está mal en esta película que se equilibra con momentos muy logrados y genialidades dignas de un excelente cineasta, como el tenso ataque a la madriguera,  las escenas con Harry y Dumblendore y los momentos protagonizados por Ron. Claro que esto también se debe al elenco. Rupert Grint se destaca como un simpatico Ron así como Michael Gambon como un tragico Dumblendore, ofreciendo excelentes actuaciones. Danniel Radclife esta vez compone un Harry mas determinado, mas confiado y reactivo y al fin se muestra maduro aunque su sed de venganza por momentos lo ciegue. Tom Felton resalta mas esta vez como Draco Malfoy y se vuelve en un personaje trágico y maldito con la gran carga de cumplir con la misión que el señor oscuro le encomendó. Por su parte Alan Rickman sigue fascinando como Snape.y su ambiguedad y su manera de hablar tan pensada. Uno de los puntos flojos en cuanto a actuación cae en Bonnie Wright como Ginny, quien también tiene mas espacio en la película pero se muestra apática e inexpresiva aunque como detalle interesante se pueda notar que cada vez  se parece mas a la madre de Harry.

La fotografía del francés Bruno Desbonnel también es el punto fuerte, con planos logrados y una variación de paletas de colores en los que usa tonos fríos y casi sin saturación para los momentos mas oscuros y colores mas calidos, aunque tendiendo a lo monocromático, para momentos mas leves y alegres.

Este Harry Potter es una sucesión de interrogantes y si no viste la película no leas lo siguiente. ¿Cómo los mortifagos pueden entrar  a Hogwarts, asesinar a uno de los profesores y salen tranquilos sin que nadie haga nada para defenderse o para detenerlos, todo sucede tan rapido? ¿Qué pasó con la orden del fénix que se hace tan ausente? ¿Qué pasa al final con la relación entre Harry y Ginny, Ron y Hermione? ¿Será posible que el director cierre estas relaciones con un ridículo dialogo al final de la película? Además no hay indicios en la anterior película de que Harry este enamorado de Ginny y esta al principio ya nos presenta como si lo estuviese. ¿Y porque Dumblendore está tan débil y cansado en esta? Alguna explicación hay por ahí, pero poco convincente. Ya sé que seguramente todo esto tiene una explicación en los libros o en la próxima película, pero sigo insistiendo que pretender eso es algo fallido, la película es la película.

Los arcos dramáticos de los personajes no cumplen su ciclo, nada cierra, y eso molesta mucho ya que pareciera que se quiere dilatar algo para llegar a las dos ultimas películas con un torbellino de sorpresas, lo que me hace recordar a dos películas destinadas a servir de enganche a otra como Los piratas del Caribe 2 y La guerra de los clones, cuya narrativa se circunscribía en la existencia del próximo capitulo, dejando de funcionar solas como un todo. Y si algo valoraba en la serie de Harry Potter era que, a pesar de ser continuaciones, cada capitulo tenia una premisa y seguía funcionando sin que el “anclarse” con la siguiente o la anterior sea determinante para su trama.

Por lo menos el director, de alguna manera, muestra una evolución, aunque lenta. Solo resta esperar a ver como nos trae Yates las siguientes y aporta todo su talento, que sabemos que los tiene, para mejorar.

Transformers 2: La venganza de los caídos/Michael Bay/2009 (1/5)

Doble, explosivo y excesivo artículo, con video incluído!!!

La película:

Si Transformers, la primera , resultó una película efectiva a pesar de su terrible guión, fue por varios motivos. Primeramente, la novedad, ya que adaptar un dibujo animado (o juguete) a la gran pantalla, además en live action, y hacerlo creíble, era todo un desafío y Bay lo logró con buenos efectos especiales y una historia pobre pero que por lo menos presentaba adecuadamente a los personajes y buscaba a toda costa una credibilidad que por momentos lograda dentro de un universo fantástico, y además todo el mundo (o casi) quería ver a los Transformers en una versión cinematográfica. Segundo, efectivamente estaba filmada de manera envidiable, y descartando unas cuantas escenas inentendibles a causa de su camaraepilepticacortesrapidos, la película estaba dotada de muy buenas secuencias de acción, bien coreografiadas y con un sonido impecable que ayudaba que el espectador realmente se inmergiera  dentro de la acción, esto ayudada por la fotografía que ubicaba la cámara muchas veces desde el punto de vista de los humanos. Incluso me arriesgo a decir que los intentos de hacer humor eran hasta efectivos por momentos, por lo que la experiencia de Transformers no era del todo mala ya que proporcionaba un buen entretenimiento.

Este año Michael Bay volvió, con la famosa fórmula al pie de la letra: si algo funciono una vez, la próxima hazlo el “Doble”. Y así lo hace el señor Bay convirtiendo su película en un espectáculo hipertrófico y anabólico de explosión, chatarras luchando, explosiones, chicas sexys, más explosiones, autos lindos, más explosiones, chicas sexys en autos lindos, más explosiones, chicas sexys sobre motos, más explosiones, chistes malos, más explosiones, robots gigantes, más explosiones, robots más gigantes, más explo…me doy (como diría Kico).

Si, así es, si Bay ya era un director de excesos, en esta los concentra y…explota!. Abusando del  travelling circular, las cámaras lentas, y los diálogos ridículos que caracterizan su cine (¿un autor?), la película no tiene pie ni cabeza en cuanto argumento se trata y ni siquiera los efectos especiales se pueden apreciar ya que de las peleas se pueden ver apenas un montón de chatarras que se mezclan, caen y, adivinen, explotan. Los intentos de hacer humor son dignos de las películas de Rob Schneider o de los Hermanos Wayans, y ya que menciono a estos últimos, Bay demuestra nuevamente tendencias racistas al utilizar a latinos (Ramón Rodríguez) e italianos (John Tunturro) para hacer reír. En la anterior le tocaba al actor Anthony Anderson hace reír por el solo hecho de ser negro y gordo.

También tenemos la infaltable participación de la milicia y del gobierno estadounidense y lo más agresivo de Bay es que, que yo me acuerde nunca ha mencionado en ninguna de sus películas anteriores el nombre del presidente, en las que evidentemente los trata con respeto, mientras en esta sí menciona claramente el nombre de Obama y además lo trata de cobarde. Y eso que el mismo presidente prestó su nombre al director…

Temas políticos aparte, las actuaciones son pobres y estereotipadas, y si Megan Fox andaba con la boca semiabierta en la anterior, poniendo cara de chica sexy, en esta abusa hasta el punto de estar con la misma expresión cuando esta con miedo o alegre. Con decir que ni Shia LaBeouf se salva, ya que gran cosa el guión no le permite.

¿Y los robots? ¿Qué robots? Ahh si, Optimus, Bumblebee y Megatron…bueno, solo ellos, porque el resto está pero no está. Si en la anterior por lo menos los identificábamos acá solo sabemos que hay robots, y a veces ni siquiera distinguimos a los buenos de los malos. Además tenemos “nuevos” robots cuyo único fin en la historia, aparte de alardear de los efectos y vender mas juguetes, es el de ser simpáticos, y adivinen, dos tienen nombres latinos, segun los subtitulos, pero hablan como negros.

¿Se entiende la foto?

Con una imagen que resume toda la película que es cuando Optimus se infla hasta el doble de tamaño para ser más fuerte, indicando gráficamente el más es más, Transformers ni siquiera funciona como entretenimiento ni cine de aventuras ya que sus más de 2 horas de duración saturan, cansan, y hacen salir al esperador como si acaba de salir de una discoteca llena y hubiese estado toda la noche bailando pegado a los parlantes.

(¿Psico?)análisis del cine de un niño mimado de Hollywood.

Disculpen el nombre pretencioso, pero ya que estamos inflando todo, ¿porqué no?

No veo Robot Chicken, pero el video de arriba me lo recomendó un amigo cinéfilo y ayuda a tener mas clara la idea.

Este apartado es para hablar brevemente del cine de Bay y sus patologías. Podemos encontrar ciertos patrones en su cine como lo son la autocomplacencia, el machismo, sexismo, belicismo, la misoginia e incluso la necrofilia. Podriamos decir que Bay concentra todo lo que Hollywood tiene de malo. Hay particularmente una escena en Bad Boys 2 en la que los protagonistas encuentran HOT al cuerpo de una chica en la morgue. En todas las películas de Bay la mujer esta sujeta a que el macho la salve y esta no es otra cosa que un objeto sexual, a veces disfrazado de chica inteligente. Hay una escena en Transformers 2 que parece sacado de un póster de taller mecánico (no me tomen a mal, electro y equipo): Megan Fox con un short ajustadísimo montada sobre una moto, completando el sueño del pibe. De ahí sacamos otro punto que es la fascinación por los autos y las maquinas, además de los artefactos bélicos, todo lo que pueda ser una demostración de poder y masculinidad, y además nuevamente hay un factor común en todo eso, las sumatoria explosiva de maquinas y chicas, que al fin no son otra cosa que objeto de deseo del hombre. ¿Por qué a los hombres gusta tanto el cine de acción? ¿Acaso los disparos no remiten al momento de la eyaculación? ¿Y las explosiones, a un orgasmo? ¿Qué es esa necesidad de impactar y destruir catárticamente algo a través de una explosión? Porque al final todo termina en eso: explosión. ¿Pero estamos hablando de Bay o del público? Bueno, me divago con ideas locas y sin suficientes fundamentos…

Y lo peor de todo es que todo esto es aceptado por el público que hace de compinche  gracias a que Bay es un maestro de la estética publicitaria y sus planos y manera de filmar son envidiables desde el punto de vista comercial, mejor que cualquier Tony Scott o John Woo. Sus travellings y ralentados, por mas artificiosos que sean cautivan al espectador indicándolos que lo que están viendo tiene mucho mas importancia de lo que en verdad tiene. Su fotografía saturada, casi siempre calida y amarillenta, vende gracias a nuestra fascinación por la imagen y lo fácil que estamos expuestos a ello. Escenas típicas: gente caminando en grupo y en cámara lenta hacia la cámara, travelling circular en torno a dos personas, por lo general los protagonistas, una pareja abrazada con un amanecer o atardecer de fondo, persecuciones en auto con mil planos, entre otras, están marcadas con una solemnidad y estética que, hay que admitirlo, son fascinantes.

Así, nuestro análisis nos lleva a concluir que Bay, (o el publico) posee las características del macho inseguro que tiene miedo de las mujeres y se esconde con grandes maquinas, armas y autos, con el fin de demostrar poder y conquistarlas, escondiendo con eso su miedo, y resultando en la tendencia de crear fantasías en las que puede darse el lujo de destruir todo y conquistar a la chica. ¿Acaso no es esto el cine mainstream, una demostración de poder y la realización de los sueños de un adolescente?

P.D.: Nada en contra de los que gustan de autos lindos y películas de acción (soy fanatico del cine de accion, pero bien hecho), pero como decia no recuerdo quien, para los Nenes: Cochecitos, G.I. Joe  y Pistolitas; para las Nenas: Barbie, Vestiditos y Cocinitas…esa es la configuración del mundo.

Terminator: Salvation/McG/2009 (2/5)

” En 2009, una máquina devoradora de millones llamada Hollywoodnet se revelará contra el cine y sus espectadores, y fabricará un arma letal con el fin de destruir al público inteligente, esta máquina es el modelo  “T-McG”, un Terminator cuya alta capacidad de realizar películas mediocres se considera un peligro para la sanidad mental del cinéfilo.  Unamos fuerzas para impedir que estas maquinas nos dominen. Me llamo John Colmán (¿Sergio Connor, mejor? ) y si estas leyendo esto, sos de la resistencia”

Cuando en 1984 James Cameron estrenaba su Terminator, sorprendía a todos por realizar una efectiva e interesante mezcla de géneros ya que la cinta oscilaba entre el thriller, la acción y la ciencia ficción. Terminator era tan terrorífico como Jason y el diseño del endoesqueleto de animatronic de Stan Winston era tan real y tenebroso que en esa escena en la que lo veíamos atravesar el fuego caminando, al final de la película, a ningún cinéfilo se le borraría de la memoria. Si Terminator era una cinta que todavía tenia muchos defectos, cuando en el 91 llega Terminator 2, presentándose como una revolución en el cine de acción, ciencia ficción y en cuanto a los avances tecnológicos, ya que los efectos digitales recién se utilizaban con comodidad en el cine, tal fue la sorpresa de quien escribe que se convirtió, en sus 13 años, en un fanático de la película (esta en la lista de las películas que mas vi.). Tampoco T2 era perfecta pero estaba mucho mejor que la primera y su legado, ya mencionado, era indiscutible. Me arriesgo a decir que hay un antes y después de Terminator, así como hay un antes y después de Matrix, en el cine que conjuga acción-ciencia ficción.

Luego de 11 años vendría la innecesaria T3: La rebelión de las maquinas, dirigida por Jonathan Mostov. Esta cumplía como cine de acción pero en su historia saboteaba horriblemente todo el argumento de la segunda entrega ya que sencillamente mandaba al diablo todo el esfuerzo hecho por Sarah Connor y equipo. Por otro lado esta tercera parte tenia sus ventajas interesantes como la de conocer como funcionaba Skynet y todo el proceso de rebelión de las maquinas hasta el tan esperado juicio final. Y así llegamos a Salvation, dirigida por el inoperante McG, (si, el de Los Ángeles de Charlie), que cuenta la historia ya después del juicio en la que John Connor “lidera” a los rebeldes como todo un Mesías, en la eterna batalla contra las maquinas. Según la anteriores, Connor realmente vence a las maquinas, por lo que este se encarga de empezar a contar este proceso.

Funcionando como cine de acción con escenas espectaculares desde los primeros minutos, casi sin parar hasta el final de la película, el director hace lo que mejor sabe de acción y centra toda la película en eso, dejando de lado la trama que tiene una premisa y unos personajes interesantes, entre los cuales se destaca Marcus, bien interpretado por Sam Whorrington, el joven Anton Yelchin como Reese y el propio Connor interpretado por Bale, pero el problema esta en que no es suficiente presentar a los personajes, hace falta desarrollarlos y en esto el argumento se queda corto.

Destacándose también en sus efectos especiales, en los aspectos de fotografía y ambientación que proponen un tono apocalíptico y decadente muy acertado, la película suma puntos en su diseño de producción que trae nuevos modelos de Terminators y otros robots y maquinas muy interesantes.

Sin aportar nada a la saga, Terminator Salvation es otro desperdicio millonario de una buena idea y otra palada mas para ir enterrando una franquicia que se prestaba para mucho mas que el puro entretenimiento pirotécnico, al fin y al cabo Terminator no solo se trataba de persecuciones, tiros y explosiones sino que proponía una interesante visión sobre el complejo Frankenstein (creado por Asimov) en el cual la creación del hombre, en este caso la maquina, se pone en contra de su creador y lo domina y el destino de la humanidad que busca en la tecnología su comodidad sin darse cuenta que con eso se vuelve dependiente de la misma.

Update: otro de los aciertos, mas bien para los seguidores, es la utilización de cierta famosa música que traerá recuerdos y también la aparición sorpresa de cierto personaje.

Watchmen/Zach Snyder/2009 (4/5)

Hace poco en una entrevista en un programa argentino de TV Eduardo Galeano se preguntaba ¿Qué raza es esta que se dedica a la destrucción? ¿En que momento convertimos la destrucción y la guerra en prácticamente una especialidad del hombre? ¿Desde siempre o son los tiempos estos en que vivimos? Y en parte, es esa una de las meditaciones, entre otras no menos relevantes, que proponía el graphic novel original de Alan Moore y David Gibbons a través de una narrativa compleja y revolucionaria en el mundo del comic, y que, para bien de los fans de la obra de Moore y de esto que se viene a llamar cine de superhéroes, la adaptación de Zach Snyder respeta hasta donde es posible en un cine ultra comercial, sin que con esto no se escape de caer en algunas irregularidades narrativas y complacencias Hollywoodianas, pero que son salvadas gracias a la valentía de Snyder.

También Watchmen demuestra que no siempre complacer al público de la obra original significa complacer a las masas y a la critica, y ese equilibrio es difícil lograr, lo hacia The Dark Knight gracias al talento de Nolan; pero el caso de Watchmen es un poco mas complejo tratándose de una obra para adultos que toca temas bastante complejos en 12 números densos y sin desperdicio, que cuenta sobre una realidad alternativa en 1985 en la que los estados unidos ganaron la guerra del Vietnam y Nixon es reelecto por 2 veces consecutiva, y la tensión de la Guerra fría desata todo tipo de paranoias. En esta realidad surgieron, en los años 50 un grupo de personas comunes que deciden combatir el crimen usando mascaras, evidentemente inspirados en la nueva cultura del comic que se asentaba cada vez mas en el la sociedad, estos se llamaron Minutemen. Así estos van ganando protagonismo con el tiempo y forman parte del sistema, hasta incluso ser utilizadas como armas del gobierno. Mas tarde, un grupo de nuevos héroes, los Watchmen, de quienes principalmente trata la historia, se debe enfrentar a la aparición del Dr Manhattan, una entidad con poderes reales casi insuperables cuya existencia impide el desatado de una tercera guerra mundial y además Nixon dicta el acta de Keene que prohíbe la existencia de los vigilantes, así algunos deben dejar sus mascaras mientras otros como Rorschach se mantienen en la lucha de manera ilegal. Pero el detonante de la historia es cuando uno de ellos, El Comediante, es misteriosamente asesinado y Rorschach cree que existe una conspiración para eliminar a los Watchmen y decide investigar.

Abriéndose con la secuencia del asesinato del Comediante, narrada de manera ejemplar por Snyder, y seguida por los créditos que, con una economía narrativa inteligente y una propuesta visual de fotos móviles, con la acertadísima the times they are a changing de fondo, nos introduce a ese universo con la historia de los héroes y los hechos mas importantes, la primera 1 hora de Watchmen no tiene desperdicio. Evidentemente luego de estos excelentes primeros minutos la película se vuelve irregular y episódica perdiendo un poco de ritmo al intentar, nuevamente tratando de ser fiel al comic, tomarse el tiempo con los personajes y sus historias a traves de flashbacks. Aun descartando varios elementos de la obra de Moore por cuestiones que tiene que ver con el lenguaje, a medida que pasan los minutos de Watchmen, la cosa se vuelve mas pesada y lenta y nos empezamos a dar cuenta que existen cosas que funcionaban en la historieta pero que en cine no.

El primer atino de Snyder es en lo que respecta a los personajes que, a excepción de Laurie, a quien la actriz Malin Akerman interpreta pobremente sacrificando de esa manera gran parte del peso dramático respecto a la personaje, logran la complejidad del comic. Rorschach, interpretado por Jakie Earle Halley, quien ya nos brindo una magnifica actuación en Little Chldren, es uno de los personajes más atractivos ya que, además de contar con su narración con una voz digna del mejor noir, es un personaje complejo y violento con un código moral ambiguo que rige sus acciones y que ademas conocemos como se va generando. El Dr Manhattan de Billy Crudup esta justamente interpretado, con la logrando hacerlo real pero extraño al mismo tiempo, mientras que Jeffrey Dean Morgan da al comediante mucha mas dignidad que en la historieta haciendo que el espectador logre empatizar por tan destestable personaje. Por su parte Patrick Wilson como Buho esta correcto sin destacarse ni arriesgase y lo mismo sucede con Matthew Goode como Ozymandias.

La película es un interesante espectáculo visual que a los fans del comic y a todo esteta les resultará un deleite, transmitiendo la atmosfera del comic con un tono realista pero estilizado, el diseño de producción tiene el gran merito de hacer realidad, casi tal cual, los escenarios y los vestuarios creados por Gibbons.  También la película se destaca por sus buenas secuencias de acción y,  el otro acierto de Snyder es el de mantener el transfondo político y filosófico que mueve la trama de Watchmen, animándose a confiar en el publico al abrir debate sobre la existencia de Dios, el sentido y el valor de la vida, el capitalismo y la guerra nuclear, las grandes empresas que dominan el mundo y se enriquecen con las guerras y lo mas importante, la tragedia de la naturaleza humana y su necesidad de autodestrucción.

Snyder quiere agradar a un público masivo, principalmente el adulto, con escenas de violencia grafica bien logradas, pero en contrapartida adolece de una escena de sexo típica de cine Z, y esta representa uno de los problemas . La fidelidad al comic tiene ventajas hasta cierto punto, ya que el comic tampoco es perfecto, y aunque no lo crean, todo el final de la película ocupa en la historieta nada menos que 2 números y el final es bastante pesado y eso es uno de los puntos flojos de la historieta, y en la película se siente igual de largo y anticlimático. Pero a pesar de eso podemos decir no aburre, lo que es un gran merito. Por otro lado existen detalles que acertadamente se obviaron, como el comic dentro del comic; Los relatos del Navio Negro y algunos detalles del final, que no puedo revelar, pero que en el comic ya no cerraban y peor hubieran quedado en la película. Lastimosamente, tambien por un tema de tiempo, ya que dura ams de 2 horas y media, se da poca importancia a un personaje tan interesante como Hollis Mason, aunque según cuentan, aparecerá una version completa en DVD con las escenas cortadas que cuentan la historia, no menos importante, de Mason.

La banda sonora tiene un importante tratamiento en Watchmen y puede que a algunos moleste pero a quien escribe le parecieron acertadas. Desde el Hallelujah en plena escena de sexo, que esta totalmente relacionado con uno de los dilemas filosóficos de Dr Manhattan, que conocemos al final, hasta Bob Dylan y Jimmy Hendrix, tenemos una interesante variedad de temas musicales. La única música que suena un poco extraña es 99 Luftballons en una escena especifica ya que no aporta nada, pero tampoco molesta tanto. Todos los demas temas están en su lugar de manera narrativa, de ahí a que la melodía no encaje ya es algo subjetivo. Otra mejor elección de la música es el tema compuesto por Pilliph Glass en las secuencias de Marte, y en el flashback de la génesis de Dr Manhattan que junto con el ya mencionado tema de Dylan, están como calzador

Dejando al espectador un sabor agridulce, ya que al salir del cine nos da la sensación de no estar muy seguros de lo que vimos, si gustó o no, Watchmen es otro interesante representante de un pensamiento que propone la madurez del espectador dentro de un subgénero encasillado en el publico infantil o adolescente y que junto con The Dark Knight, prueba que el publico esta preparado para este cine y apuesta en una renovación de un lenguaje que se viene repitiendo y que vaticina la decadencia del subgénero a causa de la poca creatividad y miope visión de los estudios de Hollywood que insisten en proponer obras pobres como X-men Origins: Wolverine. Asi que, por mas errores que cometa Snyder, se le agradece este desafio que es Watchmen.

Ángeles y demonios/Ron Howard (3/5)

Comparado con el Código Da Vinci, la novela Ángeles y demonios siempre me pareció más divertida y eso, evidentemente, se plasma en esta adaptación cinematografía realizada por el siempre correcto Ron Howard.

Además uno de los atractivos de la novela era la manera con que describía el procedimiento del conclave y algunos detalles del funcionamiento del Vaticano, y como, admitámoslo, con ingenio, el mediocre Dan Brown aprovechaba eso en su trama y elaboraba un thriller que, aunque con un argumento ridículo, aun nos proponía un interesante debate sobre la ciencia vs la religión.

Todo esto, y gracias a que Ron Howard capta la esencia del libro e incluso en algunas partes lo mejora, hace que esta película no se convierta en una catástrofe así como el Código Da Vinci; ya que este ultimo poseía un libro de origen con temática un poco mas compleja y fue llevada al cine de manera superficial por Howard.

Situándose como continuación del Código, la película empieza con la muerte del Papa y el robo del CERN de una capsula que posee antimateria capaz de destruir kilómetros como una bomba. El Vaticano recurre a la ayuda de Robert Langdon ya que 4 de los “preferiti” para el puesto sagrado fueron secuestrados con el fin de ser asesinados antes de medianoche, momento en que estallara la antimateria en el Vaticano. La amenaza trae el signo de los ILUMINATI, un antiguo grupo enemigo de la iglesia.

Una vez que se establece la premisa, la película ya no tiene respiro; entre los descubrimientos, asesinatos y recorridos a alta velocidad en la ciudad del Vaticano, no tenemos tiempo para ponernos a pensar realmente en lo ridículo de la trama y esta es una de las ventajas. Además Howard es inteligente al optar por varios elementos narrativos simbólicos que enriquecen la jornada interior de Robert Langdon, como por ejemplo usando el agua como símbolo de limpieza y por lo tanto bautismo en un momento en el que la fe de Langdon, quien no cree en la religión, es puesta a prueba.

Otro acierto de Howard es contraponer de manera interesante los interiores de la iglesia con los laboratorios del CERN, además de jugar con la ironía mostrando el vaticano con la mas alta tecnología posible, y el aprovechamiento de las locaciones como la Capilla Sixtina y el Panteón que nunca antes fueron tan bien filmados, o recreados por ordenador.

Por otro lado la trama esta llena de cabos sueltos y desenlaces que incluso en el libro ya eran ridículos y estos son apoyados por frases ridículas como cuando un personaje dice a Langdon “esta es la iglesia que consola a su pueblo y alimenta a los pobres” mientras Langdon, gran conocedor de la historia de la Iglesia se queda mudo sin decir palabra, momento dicho sea, que me dió ganas de estallar en carcajada en el cine.

Hanks esta correcto como Langdon y no puede hacer gran cosa para dar mas profundidad a su personaje. Por su parte Ewan Mcgregor interpreta con energía y convicción al Camarlengo, algo que es vital para la trama. El resto del elenco se encuentra en el piloto automático; Armin M. Sthall haciendo del tipico personaje misterioso, frio pero paternal, ya la bella actriz Ayelet Zurer, si bien su personaje esta mucho mas creible que en el libro, tampoco tiene grandes momentos para explotar su evidente talento.

Estableciéndose claramente como un reclutamiento religioso, ya que la película esta minada de excusas para la iglesia y se encarga de fascinar al espectador de una manera tal que al mas dudoso le puede llevar a hacer reflexionar sobre su fe, evidentemente a favor de la Iglesia, con solo fijarse en el momento de asencion del Papa que es llevado con solemnidad y gradiosidad, Ángeles y Demonios no es mas que un divertido thriller que usa como excusa la polémica religiosa para funcionar,asi como el Codigo Da Vinci, pero que al contrario de esta, lo hace efectivamente.

Star Trek/J.J.Abrams/2009 (4/5)

Cuando empezó la campaña publicitaria de la nueva película de Star Trek y empezaron a aparecer fotos de los actores, mis prejuicios no daban buenas noticias. Era evidente que la intención de esta nueva película era reinsertar y revitalizar la saga de Star Trek, pero para un nuevo público.

Para mi sorpresa y como fan Star trek puedo decirles que salí bastante contento de cine, ya que la película respeta bastante muchos aspectos de la saga, y propone de manera inteligente una solución de continuidad de esta con las otras, que no revelaré. Tiene el ritmo que faltó siempre en las películas de Star Trek, y la verdad es que no se si hacia falta, ya que la estética de Star Trek no es muy de acción, batallas con naves y peleas, a lo Star Wars, pero J.J.Abrams (Mision Imposible 3)demostró que tampoco es difícil fusionar en una historia una buena dosis de acción sin sacrificar el contenido de ciencia ficción que siempre caracterizó a la saga. Los actores están bien como las versiones mas jóvenes de la ya famosa tripulación del Enterprise, de entre los cuales evidentemente se destaca Zachary Quinto como Spock, y la relación Kirk, Spock y McCoy sigue siendo el núcleo importante que sustenta la dinámica. Además, Abrams demuestra ser chico aplicado al mostrar algunos hechos que a los fans les encantara, como la ya famosa prueba Kobayashi, y otras sorpresitas…

También la película cumple efectivamente con la misión de atrapar al nuevo publico para la saga, proponiendo el nuevo ritmo y ,lastimosamente, exagerando un poco con el estilo “camaraepilecticaycortesrapidos” que tanto gusta al Tony Scott y al Michael Bay y cuyo único efecto es el de que no entendamos que demonios sucede en las escenas de acción. Además de algún que otro cliché que molesta bastante, la película por lo general esta bastante bien y se agradece , luego de las lamentables películas que se hicieron en estos ultimos años.

Confieso que jamas me pareció tan interesante la tripulación de la nueva generación capitaneada por Picard como la original cuya interesante relación entre los personajes ya era suficientemente atractiva. Hasta la peor película de la saga, Star Trek:The final frontier, dirigida por William Shatner, se salvaba de la catástrofe total gracias a esta relación entre personajes. Esta relación esta bien trabajada en la nueva propuesta y es uno de los puntos altos y es bueno que Abrams y los productores etc. hayan decidido traerlos de vuelta en la aventura!

Larga vida y prosperidad a Star Trek!

X-men Origins: Wolverine/Gavin Hood/2009 (2/5)

La imagen de arriba describe perfectamente la complejidad de la pelicula…

Una de las características fundamentales del personaje de Wolverine, alias John Logan, tanto en las historietas como en los dibujos animados es que, apesar de ser buen tipo, tiene un mal carácter de aquellos y jamas fue un tipo racional y sentimental sino mas bien instintivo y animal. Claro que para el director de esta nueva entrega Gavin Hood, lo animal de Logan solo se resume en los constantes gritos al cielo que larga el pobre personaje, seguramente gritandole a Dios o que se yo, pero seguramente que en el cine también al grito le acompañan otros, por un lado los fans del comic (los verdaderos, no los que leyeron 2 o 3) que gritaran de pena, y por otro el equipo de chicas que fueron al cine con el fin de ver al “papichulo” Hugh Jackman sin remera y gritando con los músculos y las venas saltándole…

Gritos a parte, a la película le va bien en cuanto a escenas de accion, aunque los efectos especiales esten flojos. En cuanto al personaje de Wolverine, la pelicula no aporta nada mas a lo ya propuesto por las tres películas anteriores de X-men, y la verdad es que no entiendo entonces, para que hacer esta película…o sea, si entiendo, a quien engaño: $ en merchandising etc. Ni si quiera la aparicion del tan esperado Gambito vale la pena y por mas interesante que sea ver a otros mutantes y sus poderes, al rato nos damos cuenta de que no estan para otra cosa sino para los efectos especiales.

En fin, no se merece mas que decir que es una lastima ya que tenían un buen material.

Lo positivo: es entretenida, o divertida digamosle, algunas secuencias de acción bien logradas y …Deadpool
Lo negativo: todo el resto.