En los años 30 la caída de la bolsa de  Nueva York ocasiona lo que se conoció como la gran depresión norteamericana. En este periodo de  crisis económica, el cine tuvo un importante papel como producto de evasión, reforzándose así en dos géneros que luego se consolidaron en la llamada Edad dorada de Hollywood, que serian la screwball comedy de la mano de Frank Capra y otros autores, y el cine de gángsters que se hibridaría luego en el cine negro. La comedia tenia el claro fin  de entretener, mientras que los gángsters además de esta función, constituían un comentario sobre la moral de estos antihéroes que se empezaban a convertir en protagonistas de las historias (y héroes sociales). Así, películas como Scarface, o Manhattan Melodrama (traducida al español como Enemigo publico numero uno), de la que hablamos aquí, son obras claramente inspiradas en criminales celebres como John Dillinger, Al Capone, Bugsy Siegel que se burlan de la ley seca y de ese sistema en el cual de alguna manera el ciudadano ya perdió confianza, aunque al final las obras busquen devolver al publico esta confianza, reforzando las ideas sobre la ley y la justicia.

Producida por el famoso (por sus largas notas de producción) David O. Zelsnik y dirigida por W.S. Van Dyke, Manhattan Melodrama cuenta la historia de dos amigos de infancia que sobrevivieron juntos a un accidente en una balsa ya desde muy pequeños. Éstos van creciendo y tomando caminos bien distintos, mientras Blaky Gallager (Clark Gable) se dedica a las apuestas  tendiendo a la vida criminal, James Wade  (Willian Powell) se convierte en un importante Juez que viene disputando el cargo de Alcalde para luego llegar a Gobernador. La novia de Blaky, Eleonor (Myrna Loy)  termina enamorándose de James y casándose con el. La cosa se complica cuando Blaky comete un asesinato que sirve como trampolín a Wade al puesto de Alcalde, lo que luego tendrá graves consecuencias.

Es sorprendente desde un principio la facilidad con que Blaky acepta que Eleonor lo deje por James, no permitiendo así que este triangulo amoroso sea realmente el centro de la película, sino mas bien una excusa para establecer el profundo respeto y amistad que sienten estos hombres mutuamente. Y a pesar de que estos tengan que enfrentarse como las caras opuestas,  la ley y el crimen, entendemos perfectamente que cada uno de los amigos esta conciente de su lugar y lo acepta, sin que esto destruya la amistad.

Con una trama sencilla, Manhattan melodrama  apuesta en sus diálogos y personajes. Clark Gable esta simpático como Blaky (inspirado en Dillinger), siempre haciendo chistes o tomando las cosas a la ligera, Gable crea un estereotipo que luego será muy imitado en Hollywood, el del galán criminal con principios que logra comprar al espectador fácilmente. Con un rostro vivaz, Gable interpreta a Blaky como un niño grande que constantemente juega con fuego y termina por quemarse, aunque aquí es en donde Blaky se diferencia de un niño ya que mientras el niño lloraría amargamente, Blaky asume quemarse y sufrir las consecuencias, sorprendiendo con su actitud noble. Así, es interesante como luego de que Wade propone la pena de muerte a Blaky en un tribunal, en uno de los mejores y mas dramáticos momentos de la película, lo manda una nota con el texto “perdóname, tenia que hacerlo” a lo que Blaky contesta juguetón “no hay problema se como manejarlo”. Y no es que luego Blaky intentara escapar a su pena sino que la acepta totalmente.

Wade por su parte esta intensamente interpretado por Willian Powel quien a pesar de que el guión  trata de construirlo como un personaje un poco plano y de manera muy idealizada, logra dar varios matices y una dimensión mas humana a Wade, siendo este talvez el personaje mas trágico justamente por tener que luchar en su interior con decisiones que van en contra de lo que siente pero a favor de lo que es correcto. Como representante de  la ley Wade tiene que condenar a Blaky por sus crímenes por más de que en el fondo su corazón le diga otra cosa.

Por su parte Eleonor es una mujer que busca la seguridad de una relación estable en la que pueda formar una familia, algo que no encuentra en Blaky pero si  en Wade. Presentándose en los primeros minutos como una mujer insoportable ya  que abre la boca solo  para quejarse, luego el personaje adquiere más cuerpo y se hace más complejo. Admirando a Blaky y amando a Wade, Eleonor no solo es la articuladora entre los dos amigos sino el nexo con el espectador que se encuentra critica con el obrar de Blaky y Wade.

Manhattan melodrama goza del bizarro estatus de ser la última película que vio John Dillinger en el cine, antes de su muerte a la salida de la misma función.  Con un final trágico aunque contado, irónicamente, de manera  no tan melodramática, la película es el inicio de un cine que busca la escala de grises entre las famosas dos caras de la moneda, aunque por la situación política y comercial en la que fue realizada siempre tienda a dar lecciones de moral y la reflexión sobre la justicia y principalmente la amistad verdadera, son tratadas de manera ejemplar. Una película vital para conocer los orígenes del cine de gángsters.

Dirigida por Gus Van Sant, antes de Milk pero estrenada después de ésta, Paranoid Park es otro interesante retrato de la adolescencia, que complementa a obras como Elephant o Gerry,  en las que la crisis interior es el principal eje narrativo. La película cuenta como Alex, un skater adolescente, descubre un lugar llamado Paranoid Park, donde busca algunas respuestas y se ve involucrado en un inesperado crimen que lo llevará a reflexionar sobre la verdad y su propia existencia. Paranoid Park adquiere un aura casi mítica para los que concurren a el y a ojos de Alex es un lugar donde se reúnen los Skaters, quienes de alguna manera se aíslan de la sociedad, observando que hay algo más allá de las relaciones en pareja, los profesores y los matrimonios ya que, como él mismo menciona, la vida es más compleja.

Adaptada libremente sobre la novela homónima de Blake Nelson, Van Sant plasma claramente su estilo visual y narrativo, jugando con la fotografía de Christopher Doyle, filma los rostros de los personajes y maneja el tiempo en ralentado para que observemos no solo su evidente belleza, sino busquemos lo que estos esconden. Experimenta con las texturas, los sonidos, y la música que parece homenajear al cine clásico, así como los créditos de inicio, que parecieran sacados de una película de Hitchcock.

Fragmentando la narrativa a través del relato de Alex, bien interpretado por Gave Nevins, sobre quien cae el peso de la película y deja que los primeros planos se tomen su tiempo para que veamos sus mas mínimas reacciones y expresiones, componiendo un personaje enigmático; Paranoid Park es una película bien lograda, pero que pierde consistencia cuando Van Sant se muestra mas preocupado por lo formal, dejando a la deriva algunos personajes interesantes y no definiendo si lo que quiere contar es un policial o un drama adolescente. Ademas, la frialdad de lo contado es otro de los problemas del cine de Van Sant, ya que la película realmente no despierta, asi como otras obras del autor, emociones de varios matices sino mas bien logra congeniar levemente con el espectador, lo que es un merito para un cine de autor, pero no sufieciente para que la película no sea olvidada luego de minutos de salir de la sala.  Una obra interesante y muy personal  sobre el peso de la culpa pero sin nada mas que aportar.

¿Hasta donde el amor por nuestros seres queridos nos lleva? La Profesión de Irina Palm, escrita por Martín Herron y Philippe Blasband y dirigida por  Sam Garbarski, cuenta la historia de Maggie, una mujer viuda de mediana edad, quien en búsqueda de dinero para el tratamiento de su nieto enfermo, esta dispuesta a realizar un trabajo bastante atípico, el de “azafata” , que consiste en encerrarse en una habitación y masturbar a hombres que hacen pasar sus miembros  a través de un agujero, sin tener contacto visual ni otro tipo de contacto físico con ella a no ser con sus delicadas manos; algo que evidentemente genera un gran conflicto interior en Maggie, ya que además de luchar con sus propios prejuicios debe enfrentarse a los de la sociedad conservadora londinense, en la que sus amigas y familiares indagan sobre esa extraña profesión de la que ella no quiere hablar. Así, Maggie se va convirtiendo en Irina Palm (su seudónimo profesional), y llega a ser “la mejor de Londres” como ella misma afirma orgullosa.

Uno de los aciertos del guión es el proceso de aceptación, tanto de Maggie como del espectador, a la naturaleza del trabajo. La incomodidad y la gradual adaptación de Maggie también lo siente el espectador y eso permite poner a prueba nuestra moralidad relativa. Una vez que Maggie se convierte en Irina y ya esta insertada en ese mundo, para nosotros ella sigue siendo Maggie, aunque también la apoyamos como Irina ya que nuestra percepción sobre ella no cambia y queremos que tenga exito. Esta adaptación se refuerza, por ejemplo, con el hecho de que Maggie va llevando a su nuevo lugar de trabajo de elementos de su vida cotidiana, como flores y cuadros. Maggie  empieza otra etapa de su vida, de alguna manera se esta dando una segunda oportunidad.

La narración descansa en Maggie quien es interpretada de manera minimalista y acertada por Marianne Faithfull, quien transmite un aire inocente y maternal, en todo momento. La información sobre el pasado de Maggie se da inteligentemente a través de diálogos con los demás personajes y es esta relación entre personajesuno de los aciertos del guión, principalmente entre Maggie y  Miki (brillante Miki Majnolovic) el dueño del burdel. Personaje complejo que a pesar de ser reprobable, se gana la simpatía del espectador, Miki es otra prueba de cómo el cine juega con la nuestra moralidad. Por otro lado está la relación de Maggie con sus familiares y amistades, mientras que no se lleva bien con su Nuera, algo que lastimosamente no se explica en la película siendo este uno de los defectos del guión, su nieto Olly evidentemente siente y demuestra un cariño grande por ella, ubicando al hijo de Maggie, el padre de Olly, como mediador. Por su parte sus amistades, “respetables” señoras de la misma edad que ella, refuerzan la presión social y la falsa moral de la sociedad conservadora.

Es interesante como la fotografía juega elegantemente con la composición dando importancia a las manos de Maggie, ya que son sus manos su principal herramienta de éxito. Así también se opta por no mostrarnos directamente el acto de la masturbación sino mas bien nos sugiere con el fuera de campo, los sonidos y la reacción de Maggie, lo que resulta mas efectivo desde el punto de vista dramático.

La puesta en escena es sobria, la dirección de arte aprovecha los paisajes fríos, viejos y ordenados de los barrios londinenses y crea un interesante contraste con el burdel, de predominante rojo y caos. Esto esta reforzado cuando Maggie, con su presencia maternal y tímido caminar,  siempre bien cubierta, se contrapone a las chicas del burdel, bailando semidesnudas. Y la música minima, con un arpegiado de guitarra eléctrica, que describe la soledad y la experiencia de Maggie, que luego cambia por una música diegetica tumultuosa cuando entramos en el burdel, también refuerza esta diferencia.

Con un final esperanzador, aunque levemente abierto, la Profesión de Irina Palm es un relato bien llevado, ameno y visualmente interesante, a modo de tragicomedia y con algunos altibajos respecto al guión, pero que sale victorioso al proponer un tema polémico de manera sutil y sin caer en el melodrama o en lo grotesco.

Desde ELPORORO.COM

Uno de los estrenos mas importantes del 18º festival de cine de Asunción es la obra de la ya afamada  directora y también escritora Lucia Puenzo, quien en su anterior película XXY demostraba estar bien capacitada en ambas facetas, logrando congeniarlas  con una interesante propuesta visual y sutil. Puenzo nos trae el Niño pez, una película no tan lograda como la anterior. En esta, Puenzo abandona todo tipo de sutilezas, y la sofisticación de XXY solo se nota en su propuesta visual. Es en el guión donde nos encontramos con un producto lleno de artificios.

La historia se parece a una fantasía de una adolescente que vio muchas telenovelas mexicanas o argentinas, en la que la empleada domestica termina involucrándose con el hijo del patrón y sueñan con escaparse de la gran ciudad, solo que en este caso es la hija. Esta termina conociendo el mundo de esta empleada domestica “Guayi”, que además es paraguaya y habla guarani (el fetiche de la película), evidentemente tratando de comprender y de martillar las diferencias sociales con clichés. Esta relación puede terminar en tragedia o en una aventura policial en donde de repente aparecen los típicos malos bien malos y el acto heroico en busca de redención. Entre eso esta el mito de un tal Niño Pez que nada en el lago Ypoa (¿será así?) en Paraguay, que realmente queda en lo anecdótico.

A veces el querer abandonar los estereotipos hace que uno inconcientemente caiga nuevamente en ellos, así, el principal problema de El niño pez esta en que quiere ser un conglomerado de romance, drama, policial, con algo de poética mitológica fronteriza, y no se define a donde quiere llegar. La relación entre Lala y la Guayi es el eje de la narrativa, esta relación esta bien tratada y es creíble, pero el guión busca la necesidad de complicarla de manera artificial, creando conflictos obvios por celos y un asesinato de por medio que no aporta nada a la historia, a no ser dar pie a poner a prueba este amor entre ellas, algo innecesario, ya que desde un principio tenemos claro el amor que Lala, siente por la Guayi. Por lo tanto, casi todo el segundo acto del Niño pez podría haberse descartado, teniendo como centro de interés el viaje de Lala a Paraguay (No se donde filmaron eso) en donde nos encontramos con el personaje de Arnaldo Andre, que es interesante por su decadencia y vejez e interpretarse casi a si mismo, pero que gracias a los diálogos nuevamente artificiales y extremadamente explicativos, no logra llegarnos. La película esta bien planteada en su narrativa, fragmentada por flashbacks, que ayuda a mantener interés por los hechos. Pero es en el tercer acto en el cual la directora tira para cualquier lado y termina por desorientarnos, y no intencionalmente.

Nuevamente, Puenzo logra un interesante trabajo visual, en especial en las escenas en el lago donde juega con el realismo y la fantasía, en esto ultimo el Niño Pez acierta ya que es interesante el retrato de la inventada mitología de Mitai Pira, el niño del lado Ipoa, aunque al final la idea sea desperdiciada y usada para agregar otro elemento, predecible pero interesante, a la trama. Hay que decir que encontramos buenos y verosímiles momentos, como la escena del show de cumbia en la discoteca, que por mas breve, es el único momento en que se cree el mundo de los personajes por lo bien retratado que esta.

Las actuaciones se destacan, como siempre Inés Efrón, así como en XXY se entrega al papel de Lala, aunque nuevamente sus diálogos muy obvios la quiten cierta verosimilitud, por su parte la actriz Mariela Vitale convence como la Guayi aunque no le creamos el guarani.  Esta, además, protagoniza una de las escenas mas extrañas de la película en la cual el padre de Lala, el Juez, la pide que cante en guarani, y mientras ésta lo hace, si bien es cierto que canta bien, no pasa por un fetiche, o sea, así como está tratada la escena (y el guarani en toda la película) daba lo mismo que la Guayi se suba sobre la mesa a bailar de gatubela o con cueros ajustados, con un látigo. Talvez la Guayi quiere representar a la mujer abusada y utilizada por los hombres y la sociedad, pero eso se pierde en el momento que ella parece ser el objeto sexual de casi todos los personajes de la película, y de la historia misma.

Con todos sus problemas El niño pez es una película interesante, talvez pretenciosa al querer insertar temas como la trata de blancas, asesinatos y fantasía (realismo mágico me dijo alguien…) dentro de una historia que realmente creo que no lo pedía, dejando asi d e desarrollar bien a sus personajes, algo en lo que era el punto fuerte de su anterior película.

Por Sergio Colman Meixner

Desde ELPORORO.COM

Hace un tiempo que no actualizaba el blog pero no podia dejar de hablar de esta película…

La producción cinematográfica latinoamericana se va fortaleciendo notablemente y es lindo encontrarnos con obras que vienen desde Uruguay, mientras que el foco de producción, al menos lo que más nos llega, se concentra en Argentina y Brasil. Podemos decir que el cine Uruguayo esta en un buen momento, desde la buena racha iniciada con  25 watts y Whisky, seguidos por las interesantes La Perrera y El Baño del Papa, nos llega Gigante.

Gigante es una película de detalles. Detalles en acción e imágenes, una película con pocos diálogos. Un cine que descansa en los personajes y sus relaciones, más que en una trama  con giros y artificiosos. El más apresurado a juzgar por el argumento podría pensar que se trata de una película aburrida y monótona. Nada mas lejos de lo que sentimos al acompañar a Jara, el guardia de seguridad de un supermercado, nuestro gigante personaje, en mas de un sentido, quien enamorado de Julia una limpiadora del mismo supermercado, pasa a espiarla rutinariamente.

La identificación con Jara es inmediata, este es un niño grande, introvertido, que escucha metal y demuestra tener buen corazón, y a pesar de su imponente figura transmite ternura. El guión se encarga minuciosamente de construir el personaje de Jara al espectador sin dejar de ser un personaje misterioso y fascinante ya que no sabemos realmente como este puede reaccionar ante distintas situaciones, lo que nos crea una importante expectativa por mas que ya lo estemos conociendo. Y se cumple perfectamente la premisa de que uno es lo que hace. Así, conocemos a Jara a través de sus acciones; de sus gestos y sus ojos. Su respiración pesada y forma parsimoniosa de caminar marca el ritmo de la película.

Todo esto no nos hubiese sido posible sentir sin la maravillosa actuación de Horacio Camandule quien con un minimalismo impresionante nos transmite mucho mas con sus gestos que con palabras. Hay una escena en particular en la que podemos notar este impecable trabajo actoral; Jara mira a Julia a través del monitor mientras esta se tropieza con una pila de papel higiénico, en ese momento Jara ríe y nosotros nos reímos con el, luego nos damos cuenta que la pila que cayo es inmensa, mientras Jara también lo hace dejando lentamente de sonreír, a la par que nosotros también lo hacemos y a medida que la cosa se complica para Julia, tanto Jara como el espectador empiezan a experimentar un sentimiento de culpa por la reciente risa. Este proceso emocional que conecta al espectador con Jara, dígase, no solo es merito del actor sino de una puesta en escena  que juega con los primeros planos de Jara y lo que éste ve en el monitor a través de acercamientos con la cámara de seguridad en un interesante montaje.

También resulta enigmática Julia (Leonor Svarcas) quien prácticamente es una idealización, no en vano el director y guionista Adrián Biniez opta por que la veamos muy pocas veces de cerca y que la escuchemos hablar poco, incluso los primeros planos de Julia (que los hay) son vistos a través del monitor, estableciendo una distancia. A medida que Jara hace su Hitchconiana persecución, así como acompañábamos a Scottie en Vértigo (Hitchcock, 1958) o al “Fotocopiador” en El hombre que copiaba (Jorge Furtado, 2002), cada vez mas aumenta nuestra fascinación por la perseguida, y así como el personaje que la sigue, tratamos de construir una imagen de Julia con lo que vemos a cierta distancia.

La narración juega con los puntos de vista de Jara, y es interesante, por ejemplo, como el mismo Jara  va construyendo un relato dentro del supermercado con las imágenes del monitor. También los juegos visuales  son acertados, en varios momentos se utilizan pantallas de televisor o monitores, fuera del supermercado, que establecen una ironía de cómo vemos nuestras imágenes y como el personaje al realizar esa persecución realmente lo que hace es buscarse, revisitar su imagen, saber quien es y como se ve a el mismo y lo que se experimenta al ser observado a través de otras lentes.

Muy bien realizada en 16mm y finalizada en 35mm, la fotografía de Arauco Hernández Holz tiene además un interesante granulado que refuerza el realismo propuesto por las locaciones y la dirección de arte de Alejandro Castiglioni que adquiere una interesante ambigüedad cuando entramos dentro del salón del supermercado tan iluminado y pulcro, en contraposición a los espacios de servicio de estos, con poca luz y mal cuidados. La puesta en escena es sencilla, con planos de interesante composición pero no rebuscados, opta por dejar que los personajes se muevan en el espacio y toma las distancias adecuadas cuando necesario. Vale destacar el plano del inicio en el que vemos a Jara caminando y como su gigante sombra, a medida que se acerca al destino, se va achicando. El diseño de sonido se destaca por jugar con sonidos ricos en detalle, como la ya mencionada respiración de Jara y música diegética.

El guionista y director Adrián Biniez

Sencilla, emocionante y con buenos y acertados toques de humor, Gigante, talvez decepcionara un poco en los minutos finales ya que, cómo resuelve algo que generó muchas expectativas puede no convencer al espectador, pero que a mi parecer es una opción acertada y tiene que ver con la estética propuesta ya que se cierra con una rima. Sin más nada que acotar, aunque haya miles de detalles, Gigante desde ya es un gran exponente del cine Uruguayo como Whisky  o 25 Watts, ambas también producidas por Control Z, la misma productora de Gigante, y por que no, otro paso grande para nuestro cine latinoamericano.

¿Es el cine una extensión de la vida, una lucha contra la muerte? Ni el cine puede contra el cáncer.

Cuando uno ve las películas no se llega a imaginar que esa persona que interpreta al personaje es real, existe, puede enfermarse, accidentarse, morir. Uno ve al personaje en si no al actor, especialmente si este es buen actor. Así, al ausencia es una de estas características raras de valor en el cine, el mejor guión es aquel que menos nota su existencia, así como la mejor actuación es cuando menos se ve al actor.

Patrick Swayze, además de ser un sex symbol en los 80, de bailar y cantar, etc. Era un actor de talento como se prueba en películas como Ghost o Point Break  como siempre desperdiciado por Hollywood que obliga a los actores con potencial físico explotar eso mas que su talento como actor.

Abajo dejo un meloso y lacrimógeno  video de esos compilados de Youtube, para los que quieran emocionarse, con escenas de varias películas de Swayze, entre ellas una de las escenas más eróticas del cine sin mostrar un desnudo, de Ghost, que no me gusto tanto pero tiene su valor. Para mi Swayze , si bien quedara en la historia del cine como uno de los chicos lindos de los 80 y 90, lastimosamente no llegó a tener su momento de explosión actoral  y eso que demostraba tener talento. En paz descanse.

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Hay que tener:

1- El peinado de David Lynch

2- La panza de Sergio leone

3- La estatura de Woody Allen

4- La barba de Spielberg

5- Los cachetes de Hitchcock

6- Los ojos de Cronemberg

7- La frente de Eisenstein

8- Las ojeras de Kubrick

9- La voz de Welles

10- Los anteojos de Godard

Imaginense!!!

A Stephen Sommers, a pesar de lo que acusen, le salio bien la Momia(1999),  ya que parecía traer consigo un revival del genero de aventuras. No obstante, a partir de ahí, el resto de su filmografía fue en picada. La Momia 2 era divertidamente ridícula en todos sus aspectos y Van Helsing era una buena idea pero llena de excesos y un patético drácula. Gran cosa no era de esperarse de esta adaptación de otros juguetes de Hasbro (el mismo de Transformers) a no ser una película de acción y entretenimiento puro y el resultado es exactamente lo esperado.

Con acción y explosiones ya a los 5 minutos de proyección, Sommers se muestra un buen alumno de Roland Emmerich y Michael Bay literalmente “explotando” el producto en la pantalla. No que esto sea del todo malo, siempre es bueno ver buenas secuencias de acción, bien coreografiadas con imaginación. El problema esta en que para que estos tengan efecto y no sean una simple experiencia sensorial, el espectador debe tener cierta relación psicológica con los personajes y la trama, lo que se conoce como identificación y para esto hace falta tomarse cierto tiempo desarrollando los personajes y una historia coherente, algo que G.I.Joe no logra. Por otra parte Sommers intenta dotar de profundidad psicológica a sus personajes inundando la narrativa con repentinos y desencajados flashbacks que cuentan el pasado y sus relaciones, algo que como intento se agradece pero termina no funcionando.

El guión, como era de esperarse,  esta minado de clichés del género, tanto así que cuando alguien dice “por favor, no dejes que nada le pase a Mengano” inmediatamente ya sabemos el destino de Mengano. Además, como este, hay una buena cantidad de diálogos que solo tiene la función de explicar cosas al espectador, y lo peor de todo es que incluso así, la historia es por momentos confusa. Claro que se rescatan algunos momentos de humor y algunos interesantes giros en el final.  Sommers pierde la ventaja de proponer una inmersion gradual y mucho mas efectiva al mundo de los G.I. Joe ya que como primera parte de una franquicia hubiera podido tomarse el tiempo de contarnos como se crea el equipo, como van a su pirmera misión, y como se descubre de a poco a los malvados Cobra, pero hace todo lo contrario, cuando empieza el relato ya exiten los G.I. Joe con todo su equipo y ya se conoce el plan de los malos a los pocos minutos.

Hay, en la mitad de la película una secuencia de persecución en la que los personajes usan unos súper trajes que si podemos decir que esta bien lograda y no tiene nada que envidiar en espectacularidad a su maestro Bay, pero el resto de las secuencias se limitan a destruir, explotar sin que si quiera logremos ver a quienes afectan. Además de que estamos concientes de que gran parte de los que vemos esta hecho digitalmente. También están desperdiciados los enfrentamientos entre Snake Eyes y Storm Shadow que podian haber proporcionado un par de muy buenas peleas y que con la edicion rapida y los planos muy cerrados, no se puede apreciar el arte de sus movimientos.

Pero el proceso más curioso es como unos juguetes se convierten en película y luego una película se va a convertir nuevamente en juguetes. Y ya que hable de los digital, realmente podría decirse que G.I. Joe es un puro videojuego, con los personajes mismos gritando WOW en medio de la acción, con armas y todo tipos de artilugios diseñados especialmente para el merchandaising y para el futuro videojuego, aunque la única supuesta diferencia que tendrá este ultimo con la película es que los usuarios podrán manipular (si no es a la inversa) a los personajes del juego. Como era de esperarse el diseño de producción se encarga de llevar perfectamente a la pantalla la estética y los diseños de las maquinas GI Joe, desde las naves y submarinos hasta los cañones, recuerdan a los ya clásicos juguetes (todavía tengo algunos por ahí, confieso)

¿Que mas hay que decir? Bueno, las actuaciones están pobres, Channig Tatum se salva como Duke, Marlon Wayans esta para ser el negro simpático y ni para eso sirve y Dennis Quaid últimamente se presta al overacting total limitándose a poner cara y voz de machote y Sienna Miller tiene que andar con escote en casi toda la proyección por mas que este en el polo norte (cuentan los medios chismosos que el director la obligo a subir de pechos). Lo menciono para atraer lectores, debido al éxito de Megan Fox en el blog, a quien también ahora menciono con el único fin de atraer más lectores.

Por lo menos, a diferencia de Bay, Sommers no intenta hacerse del inteligente y sobrepasar a su público, ni trascender, y por lo tanto podemos decir que este trabajo, aunque malo, es sincero y algo contradictorio teniendo en cuenta su artificio en la puesta en escena, pero que por lo menos no ofende tanto y por lo mismo el producto es mas ameno. Además creo que Sommers es un tipo talentoso que aun no puede o no le dejan madurar, recuerden que hace mucho el realizó la mejor adaptación (de bajo presupuesto) de El libro de la selva de Kippling en la que prometía ser un director con futuro, pero decidió meterse profundamente en el sistema de estudios del cual difícilmente salga.

Hace tiempo que la consigna de Pixar es hacer volar. No solo con este UP se plasma el pensamiento y la cosmovisión del estudio al mando del John Lasseter sino que ya desde Toy Story se puede decir que la animación ha cruzado un umbral de la imaginación y ha hecho volar a miles de espectadores.

Claro que la madurez de Disney también tiene que ver con este hecho ya que es esa relación estrecha y conflictiva, entre besos y patadas, con el más antiguo estudio de animación, que dio fruto a obras de una calidad innegable. Y la gran diferencia, y ventaja, sobre la competencia que seria Dreamworks esta en que mientras Pixar mantiene un lenguaje clásico y dentro de este propone mil y una variaciones sobre un tema, de manera inteligente, haciéndolo evolucionar, Dreamworks por su parte, además de no definir una línea de pensamiento, algo que Pixar la tiene clara, intenta crear un oposición en lo metalingüístico, la parodia de lo clásico como propuesta moderna, pero que resulta fallido y que muere en el mismo instante en el que se genera incluso teniendo caducidad temporal. No que obras como Shrek o La Era del hielo sean menores, hay que admitir su calidad, pero ambas solo tienen valor al ser contextualizadas para su interpretación, mientras películas como Wall-E, Ratatouille o UP, perduraran en el tiempo no solo por sus raíces clásicas sino porque están planteadas de manera trascendente y tendrán el mismo valor ya sea en el momento en que fueron engendradas como muchos años después.

Pero hablemos de UP, la película que nos interesa hoy. Demás esta decir que es otra obra con sello Pixar, lo que esta claro desde el primer fotograma. Aquí no encontraremos ninguna ruptura formal, sino lo mismo de siempre, un esquema formulado, pero mismo así, y en eso encontramos el ingenio, la obra es totalmente original y logra moverse creativamente dentro del esquema y propone nuevamente una temática humana y reflexiva, trillada dirán algunos, pero contada de manera excelente.

En los primeros minutos ya nos presentan una historia de amor que logra emocionar con una economía narrativa, prácticamente puro imágenes y elipsis,  en una secuencia impagable. A partir de ahí la película oscila entre momentos melancólicos, tristes, cómicos y de acción, que nos hablan de la aventura que es la vida misma y sobre como los sueños son artificios que a veces nos impiden de aceptar nuestra realidad, aunque los quisiéramos negar y por momentos se convierta en obsesión.

Cada animación de Pixar se supera en cuestiones graficas, aunque esta propuesta juegue mucho con la verosimilitud tanto en las formas y caracterización de los personajes como en las hechos mismos, en ningún momento se abre brecha con la identificación del espectador ya sea este un niño, adolescente o adulto. Aunque algunas cuestiones de diseño no cierren como el hecho de que Carl, aun siendo joven, tenga ya el aspecto de un anciano, cambiando prácticamente el color de pelo y agregándole algunas arrugas nada más cuando envejece.

La aventura además tiene como protagonistas a un anciano y un niño gordito que no son precisamente los arquetipos del género pero que de igual manera se demuestra que pueden funcionar como nexo con el espectador, y de manera irónica esto son contrapuestos con el aventurero cinematográfico clásico que los inspira. El que estos personajes sean de esta manera no es una limitación para proponernos una aventura repleta de humor y acción con personajes tridimensionales.

En cuestiones argumentales, vale mencionar, Up no es perfecta ya que tiene ciertos problemas con la verosimilitud del envejecimiento de cierto personaje que si nos ponemos a calcular ya debería haber muerto en el momento en que aparece en la película, mas aun teniendo como referencia al ya anciano personaje principal y además el mensaje principal que se descubre en el tercer acto es predecible por una pequeña desprolijidad del director Peter Docter y el guionista Bob Peterson. Pero esto no afecta al resultado final que merece nuevamente un lugar importante en el corazón de quien escribe, y me imagino, en el de gran parte del público ya que la experiencia es inolvidable.

“La vida pasa muy rapido. Si no te detienes a mirarla  de vez en cuando podrias perderla” Ferris Bueller

Para muchos  críticos, historiadores, cinéfilos o publico, el cine de los 80, el de Hollywood, fue vacío, superficial, artificioso, maniqueísta, mero espectáculo y entretenimiento, minado de estereotipos y falsos moralismos; de estética Glam de camperas de cuero remangadas con hombreras, tachuelas, colores sicodélicos y peinados exuberantes con flequillos que dejaban a los actores cabezones; y baladas rockeras al mas puro ensalada guitarra eléctrica con sintetizador y batería digital; la chica virgen, el nerd, la chica mala, el deportista, el chico malo, la rebeldía adolescente con aroma a moraleja, el sueño americano, etc. No podemos negar los de mi generación que gracias al TV por cable y los videoclubs nos empapamos de este cine y a pesar de reconocer lo fútil, caricaturesco, ultra norteamericano y ultra comercial que ese producto lograba convertirse por momentos, ya desde una distancia objetiva, no se puede negar que diera buenas obras, entrañables, divertidas y que le guardemos cierto cariño.

Hoy muere John Hughes, guionista, productor y director, un gran exponente de este cine ochentoso y que podemos afirmar que haya aportado obras muy interesantes. Entre sus obras mas famosas en la dirección se encuentran los ya clásicos de la comedia adolescente como Sixteen Canddles,  The Breakfast club  y Ferris Bueller´s  Day Off que se establecen como éxitos y tópicos o arquetipos de lo que se vendría a llamar la nueva comedia americana adolescente, pero mas madura y seria, diferente de la tipología Porky´s cuyo principal deudor es eso conocido como American Pie y que se fundamentaba en un falso políticamente incorrecto.

¿A quien no le dio ganas de escaparse del colegio luego de ver a Ferris Bueller hacerlo en lo que seria una de las mejores obras de Hughes? ¿Quién se olvidara del Twist and shout de Ferris? ¿Acaso no hay por ahí algún nerd que se enamoró de la chica destinada al deportista buen mozo? Una de las técnicas de este cine era jugar con las inseguridades del espectador que irónicamente eran causadas por el cine mismo de personajes estereotipados. Pero lo lindo de Hughes es que siempre, dentro de lo políticamente correcto, proponía una reflexión yendo un poco más a allá de lo acostumbrado en el cine ochentoso, dotando de más sinceridad su propuesta que no negaba su fin.  Una comedia como Tío Buck, con el entrañable John Candy, aporta mucho más que un Top Gun,  Rambo o  Flashdance.

Además Hugues se demostraba de alguna manera un crítico de su propia sociedad a través de la idiosincrasia adolescente por lo que no sorprende que los villanos en dos de sus principales películas sean directores de colegio. Y son de importancia dentro de este sistema las relaciones padre e hijo muy marcadas en varias de sus obras.

En su faceta de escritor también se destaca Hughes con la ya famosa Mi Pobre Angelito que consistió en un paradigma del cine infantil nunca antes hecho y la trilogía de Vacaciones de la familia Griswold a cargo de Chevi Chase en su mejor momento.

Hoy despedimos a Hughes y le agradecemos por estos buenos y mágicos momentos de entretenimiento sincero y bien intencionado. Que mejor despedida que un Twist!!!