Asumo antes que nada que solo he visto un par de episodios de Avatar, el dibujo animado, y que lo poco que vi me pareció bastante interesante, por mas que la “occidentalizacion” de elementos orientales se sienta tan artificial, la historia de un niño monje que tiene que dominar los cuatro elementos para traer equilibrio a un mundo dividido por las cuatro naciones representadas por cada elemento, mientras es buscado para ser asesinado por la nación de fuego, es realmente atractiva, la típica historia del elegido pero con nuevas variables, y hubiera proporcionado una aventura verdaderamente épica.

Lastimosamente, la adaptación al cine le encargaron a Shyamalan, y no me mal entiendan que The Unbreakable está entre mis películas favoritas; es mas, me animo a decir que hasta The Village, me ha gustado bastante su cine, aunque de a poco se fue notando cierta perdida cualitativa que empezaba con Lady in the water, que todavía traía conceptos interesantes pero que no pasaba de lo regular, hasta llegar a bodrios como The Happening y terminado en el fondo del pozo con The Last Airbender; película que de verdad parece haber sido hecha como mini serie infantil de Hallmark channel, de esas en las que actúa Martín Short y que carece de profundidad en todos sus aspectos.

El principal problema está, obviamente, en el guión. Shyamalan se olvida que el cine se cuenta principalmente con imágenes y acciones y se encarga de que los personajes constantemente expliquen todo lo que sucede, incluso cuando ya lo estamos viendo. En el cine de aventuras existe una formula, como sabemos, pero depende de como se aplique para proponer algo diferente; Shyamalan no tiene idea de lo que hace y desde el primer minuto ya nos aburre. El guión es incoherente es todo momento y se pierde aún mas en tratar de dotar de complejidad a algo concebido ya desde el principio de manera esquemática y estereotipada. Por  ejemplo: en una escena el mismo Aang niega ser el “Avatar” para después de pocos minutos ponerse a gritar que Sí es, y esto podría entenderse como un conflicto interior del personaje, que realmente intenta existir, pero esta mal desarrollado y es abandonado cuando le conviene al guión. Además los personajes, incluyendo el protagonista Aang, son totalmente planos y el único personaje interesante es el “villano” príncipe Zuko, interpretado por Dev Patel , quien por cierto, es el único actor que se salva en la película.

Así, entramos al otro problema que son los actores. Y es triste decir que no existe en la película un solo actor convincente, algo que compromete mucho el dramatismo de todo. Las peores escenas están a cargo de la princesa Yue interpretada por Seychele Gabriel quien, incluso viendo que el ejercito enemigo se acerca con enormes “maquinas” de guerra para atacar a su pueblo, sigue con la misma “cara de Barbie”. El niño Noah Ringer tiene algunos momentos, pero nunca consigue dar verosimilitud a Aang y no puede llevar el peso de la película, ni siquiera con el apoyo de los demás actores, que también están mal.

Si hay algo positivo en esta película es la banda sonora a cargo del siempre efectivo James Newton Howard que por momentos llega a transmitir la emotividad que las imágenes no logran.

Con un guión que a medida que pasa el tiempo se pone cada vez peor y con actuaciones terribles, solo restaba una esperanza: las secuencias de acción. Y nuevamente salimos decepcionados. Demostrando que no tiene idea de cómo filmar la luchas, Shyamalan se limita a mostrar planos generales con algunos movimientos rebuscados de cámara, picados y cenitales, algún que otro ralentado y el zoom que le da un “look cool”, pero el conjunto, montado, no transmite una pizca de emoción y no deja apreciar las coreografías que es lo que importa cuando hablamos de artes marciales.

Confundiendo el concepto de “para todo público” con “para un público sin cerebro o exclusivo para niños de hasta 5 años”, Shyamalan destruye un material que podría convertirse en una saga de aventuras realmente duradera y exitosa, olvidándose que los niños  no van solos al cine (además los de hoy ya nos pasan encima) , no aprendió  del ejemplo de los maestros de Pixar que, como nunca terminaré de insistir, confían en la inteligencia del espectador y logran un brillante equilibrio que hace que sus obras sean emocionantes en varios niveles, algo de lo que The Last Airbender está lejos.

P.D.: Ver en 3D esta película me parece un robo, no por lo mala que está sino porque realmente no tiene nada de 3D.

“Sólo me faltan seis meses y veintiocho días para estar en condiciones de jubilarme. Debe hacer por lo menos cinco años que llevo este cómputo diario de mi saldo de trabajo. Verdaderamente, ¿preciso tanto el ocio? Yo me digo que no, que no es el ocio lo que preciso sino el derecho a trabajar en aquello que quiero. ¿Por ejemplo? El jardín, quizá. Es bueno como descanso activo para los domingos, para contrarrestar la vida sedentaria y también como secreta defensa contra mi futura y garantizada artritis. Pero me temo que no podría aguantarlo diariamente. La guitarra, tal vez. Creo que me gustaría. Pero debe ser algo desolador empezar a estudiar solfeo a los cuarenta y nueve años. ¿Escribir? Quizá no lo hiciera mal, por lo menos la gente suele disfrutar con mis cartas. ¿Y eso qué? Imagino una notita bibliográfica sobre los “atendibles valores de ese novel autor que roza la cincuentena” y la mera posibilidad me causa repugnancia. Que yo me sienta, todavía hoy, ingenuo e inmaduro (es decir, con sólo los defectos de la juventud y casi ninguna de sus virtudes) no significa que tenga el derecho de exhibir esa ingenuidad y esa inmadurez…”  (Fragmento de La Tregua. Mario Benedetti – 1960)

Nada más que agregar. Un buen fin de semana para todos los trabajadores.

Parecía que nada nuevo nos podía proponer Toy Story 3; después de las 2 aventuras anteriores, estábamos seguros de que resultaría una obra divertida y de calidad, como todo lo que propone Pixar, entonces  ¿Qué nos podía ofrecer de nuevo una tercera parte?

Dirigida por Lee Unkrich, Tory Story 3, como en las anteriores,  empieza con un juego, en este caso ambientado en el lejano oeste, donde vemos nuevas aventuras de Woody y los demás juguetes. Pero esta vez estamos a  muchos años después de la segunda, con un Andy mayor y listo para ir a la universidad, y nuestros ya conocidos personajes, Woody y pandilla, se encuentran ahora dentro de un baúl, activando todo tipo de estrategias para atraer a Andy hacia ellos, con el fin de obtener por lo menos algún segundo de atención del mismo. Desde el principio el tono ya es melancólico, por la situación y carencia misma de los juguetes, que prefieren al ático antes que alejarse de su dueño. Por alguna confusión, los juguetes van a parar en una guardería, donde se encontrarán con otros problemas y tratarán de escaparse antes que Andy se mude a la Universidad.

Nos presentan algunos personajes nuevos, como el ya esperado Ken, retratándolo como un tipo superficial, que además se niega a aceptar que es un juguete para niñas. También se explora de manera divertida la relación entre Buzz y Jesse, que en la anterior ya se había sugerido. Woody como siempre es todo corazón y Buzz la valentía y fidelidad, además este último tiene a su cargo los momentos más graciosos de la película. Y como el director convierte a un muñeco bebé en un verdadero villano con el solo detalle, tan común por cierto, del ojo caído, es un acierto, ya que a más de uno le habrán parecido terroríficos estos muñecos. También los personajes aprovechan sus cualidades de juguete de manera ingeniosa como por ejemplo la Sra. Batata y su ojo perdido, o el caso de Sr. Batata que llega a convertirse en una figura tan extraña pero graciosa al mismo tiempo.

Otro acierto del guión es Andy, quien con su poco tiempo en escena logra convertirse en un personaje tridimensional, reflejando el conflicto del adolescente que tiene que abandonar los  últimos retazos de su niñez para ir pasando al mundo de los adultos. Andy aun se muestra imaginativo y en el fondo podemos encontrar ese niño que conocimos en los capítulos anteriores.

Como era de esperarse, Toy Story 3 es una sucesión de emociones in crescendo; es capaz de llevarte de la risa a las lágrimas en tan solo segundos. Esta tercera parte es la más oscura de las tres, no solo por lo que cuenta sino en el tono general de la narrativa y en la ambientación de muchas de sus escenas, en el especial el tercer acto, que ocurre de noche. En este tercer acto, Toy Story 3 se pone inmensamente fuerte, incluso por momentos rompiendo con todas las expectativas de un final feliz cuando los protagonistas se meten en mayores situaciones de peligro. Existe una escena en particular que no pocos podrán borrar de su memoria, en donde estos “juguetes”, ante su ya inevitable destino, emanan grandiosa humanidad y  resignación, con un dramatismo y expresividad tal que es imposible no soltar una lágrima, y me arriesgo a decir que el que no sintió por lo menos un nudo en la garganta en ese momento, no es humano (o es un potencial serial killer o es Sauron en persona)

Dejándonos un gusto agridulce, pero regalándonos al mismo tiempo una sonrisa gratificante por todo lo que acabamos de vivir; la escena final de Toy Story, de alguna manera, rima con el inicio de la primera película, cerrando perfectamente la trilogía

Cuando al principio de este texto me preguntaba que nos podía traer de nuevo esta película; la respuesta no se encuentra en la capacidad de los magos de Pixar de emocionarnos con estos juguetes una vez más, ni en la evolución de la calidad de su animación, nada de eso es novedad. La respuesta está en el redescubrimiento de nuestros sentimientos por estos personajes que llegan a ser como amigos a quienes volvemos a encontrarnos para más una aventura y luego, inevitablemente, despedirnos de ellos, pero llevarlos en nuestros corazones, para siempre: Hasta el infinito y mas allá!

P.D.: No se pierdan los créditos finales, tienen escenas extras.

PD 2: El corto que pasan antes de la película es un híbrido interesante entre 2D y 3D, está excelente, nuevamente Pixar superándose!

PD3: Un personaje del gran Miyazaki aparece entre los juguetes…a ver quién pilla!

3…Lasseter y Pixar

Cuando la gente habla de cine infantil o para adolescentes, siempre lo hace con condescendencia, como una excusa para que aceptemos que la obra sea mala o mediocre. Véase el claro ejemplo de Crepúsculo y otras basuras (con el debido respeto a sus fans), que con la excusa de ser un producto comercial y para “teens” se convierten en una ofensa al espectador y un atentado al cine. Esta gente que dice este tipo de cosas no esta consciente (o se olvida) que existen las animaciones de Pixar. Obras grandiosas como Toy Story, Los increíbles, Up o Wall-e, son dirigidas a todo público, desde niños a adultos, pero no subestiman al espectador; no lo toman como un estupido, ya que si bien son sencillas en su narrativa, son complejas y ricas en contenido, además de ser supercalifragilisticuespialdosamente divertidas!

Por detrás de este imaginario mundo de las animaciones de Pixar hay un nombre: John Lasseter, hoy director del gigante estudio de animación asociado a Disney. Podemos afirmar que Pixar es responsable de las mejores animaciones en computadora hasta el momento tanto en la calidad de sus historias como a nivel de avance técnico (me refiero a películas de animación, así que no me vengan con Avatar), Lasseter es a la animación 3D lo que Miyazaki es al 2D, y no en vano estos grandes hombres se admiran mutuamente.

Todo empezó con Tin Toy (bueno, no todo), un corto de animación dirigido por Lasseter en 1988 que explora brevemente la relación de un juguete con un bebe. En este corto ya nos propone ese universo alternativo en el cual los juguetes tienen vida propia y sentimientos respecto a sus dueños. A partir de Tin Toy surge la idea de contar una historia de juguetes que se convertirá en Toy Story.

Ver el corto:

2…Toy Story (1995)

Es verdad que Toy Story representó un verdadero avance en el cine de animación por computadora; todos nos quedamos boquiabiertos por esas imágenes increíbles, casi reales, que nos traían John Lasseter y Pixar en 1996 (cuando se estrenó acá). Con mis 16 años, mis ojos de pavote estaban hipnotizados por lo que veía en pantalla, mientras mis compañeros de colegio se preocupaban en “como le iban a encarar a las chicas en el próximo quinceaños”, yo solo pensaba: “que increíble, ¿como lo habrán hecho para que se vea tan real?” Y me daba cuenta, una vez mas, que nunca quería dejar de ser niño. Eso no solo se debía a la belleza de sus imágenes, sino a que nos traía una historia genial, emocionante, con un ritmo increíble y personajes interesantísimos y bien desarrollados, que hacían imposible que alguien no se identificase con ellos, y lo mejor de todo: estos eran juguetes.

No puede ser menos interesante premisa la de ponerse en el lugar de unos juguetes, imaginar como se sienten y piensan, caso estuvieran vivos. Y lo que hace de Toy Story algo tan autentico es que aprovecha los conflictos que podrían tener los juguetes de un niño y los usa para representar el estado psicológico de su dueño, en este caso Andy.

Dirigida por el gurú John Lasseter, Toy Story tiene dos realidades, una la del niño dueño de los muñecos protagonistas, y la otra la de los juguetes, mientras que los humanos no están presentes. En esta segunda realidad se pasará la historia de la película y el conflicto de estos juguetes será el miedo a ser reemplazados, así como un niño que tendrá un nuevo hermano.

Es genial como al principio, Andy juega y se expresa con sus juguetes; juega con el tema del robo al banco, algo que al principio parecería típico ya que esta jugando al sheriff, pero luego descubrimos que Andy tiene una hermana recién nacida con quien comparte la pieza. Así, la aventura vivida por los juguetes puede convertirse perfectamente en una metáfora de los celos de Andy por la llegada de su hermana y talvez una representación del inconciente del niño.

El conflicto empieza con el cumpleaños de Andy, que representa la oportunidad de que los juguetes sean reemplazados por otros más nuevos. El juguete nuevo es Buzz Lightyear, que perfectamente representaría al hermanito nuevo, y los celos de Woody, obviamente, lo hacen agresivo por miedo a perder a Andy, así como un niño no quiere perder el afecto de su madre. Estos celos de Woody desencadenan en un acto de agresión contra Buzz; lo que los lleva a una divertida aventura.

Toda esta aventura cuenta cómo estos celos luego se convierten en una fuerte amistad al ser superados, además de la aceptación de Buzz Lightyear, que resulta también una metáfora interesante del recién nacido; al salir de su nave Buzz tiene dificultad para aceptar que es un juguete y se defiende  de esa realidad convenciéndose a si mismo de ser el personaje que, como juguete, representa. Un viaje interior que incluye la pesadillesca caída en la casa de Sid, el niño que maltrata a sus juguetes, y que lleva una relación agresiva con su hermana, representando tal vez como se convertiría Andy en caso que no aceptase a su hermana.

Con secuencias increíbles, Toy Story no envejece para nada como cine de aventuras, en la que un conflicto tras otro aparece sin dejar respirar al espectador y en lo que todo lo que sucede es una excusa para que los personajes se desarrollen y cambien.

La banda sonora de Randy Newman es emocionante y su letra retrata muy bien algunas situaciones; además, se agradece que se eviten las tradicionales canciones de las animaciones de Disney y mas bien se aprovechen los temas musicales en secuencias que cuentan una historia, por ejemplo, el paso del tiempo. Obra maestra, sin más que decir, esta animación al parecer era insuperable, hasta que llegó su secuela.

1…Toy Story 2 (1999)

El mismo año de la segunda parte también llegaba el fenómeno The Matrix, que a manera de anécdota, también fue un paradigma de avance técnico a nivel de efectos especiales y creaciones en CGI. Pero Matrix no opacaría esa montaña rusa de emociones llamada Toy Story 2.

También dirigida por Lasseter,  la película empieza casi apenas al finalizar la anterior. Andy esta un poco mas grande y ya tiene otras actividades que le exigen alejarse de sus juguetes; como ir de campamento. Se abre con un videojuego que nos presenta un poco el universo de Buzz y su archienemigo Zurd. La secuencia esta llena de referencias a Star Wars, desde la respiración de Buzz en el interior de su casco que imita la respiración de Darth Vader, a los sonidos de los sables láser que se escuchan por momentos, pasando por un claro homenaje melódico a 2001 Odisea en el espacio. Además estas referencias a Star Wars tendrán resonancia hacia el final de la película con una revelación que tiene que ver con Buzz y que es uno de los momentos más graciosos.

Luego de la presentación nos encontramos nuevamente en el cuarto de Andy. En un accidente Woody se rompe el brazo y esto abre otro nuevo conflicto, parecido al de la anterior película, que es el de ya no servir y ser tirado a la basura.  Pero la cosa se pone más compleja en el momento que, por otro accidente, Woody va a parar en manos de un vendedor de juguetes que lo quiere vender como juguete de colección. En eso descubrimos también el universo del muñeco Woody y sus demás personajes: el caballo Tiro al blanco, Jesse, y el viejo minero Pete. Woody se encuentra con su realidad de que es un juguete viejo, por un tiempo muy famoso, y hoy ya una pieza de colección y que junto con los demás dicha colección estaría completa para ser expuesta.

De ahí sale otro comentario interesantísimo en un dialogo del viejo minero Pete, donde dice que “aparecieron los spútnik y todo el mundo quería naves espaciales” indicando como se olvidaron de los cowboys para pasar a la nueva moda espacial, de donde nace Buzz. Este comentario es de una riqueza metalingüística interesante. No en vano las varias referencias a Star Wars en la película ya que la aparición de ésta en la historia del cine significó de alguna manera el inicio de una nueva era en el cine comercial, la era de las películas espaciales y de extraterrestres, que terminaron desplazando al genero western.

Mientras Buzz arma un equipo de juguetes para el rescate de Woody y terminan en una juguetería donde incluso Don Patata y compañía salen de paseo y se encuentran con Barbies, Woody conoce el drama de Jessie, quien cuenta la conmovedora historia del crecimiento de su ex dueña, con una secuencia de imágenes inolvidables y un tema bello compuesto nuevamente por Randy Newman; esta secuencia propone lo inevitable y, por lo tanto, lo mas temido por un juguete: el hecho de que Andy crecerá en algún momento y ya no necesitará de sus juguetes. Con este dilema Woody debe decidir si quedarse a completar la colección y asumir su estado de pieza de exposición o conformarse con afrontar los últimos años de juego con Andy.

Nuevamente secuencias espectaculares, divertidas, repletas de humor e imaginación invaden la pantalla de inicio a fin de la película. Un relato sobre una incondicional amistad y fidelidad, entre los juguetes hacia Andy y entre Buzz y Woody. Nuevamente Toy Story nos habla de algo mucho mas profundo que es el miedo al rechazo y a la inutilidad. De esta manera podemos decir que respecto a la primera los papeles se invierten, siendo así los juguetes una metáfora de los padres quienes, de a poco, son menos necesitados por sus hijos y en algún momento los tienen que dejar ir, una vez que ya cumplieron su papel para con los mismos.

Un tema que solo una película de Pixar podría tocarlo de manera tan divertida e inteligente, con un profundo respeto a su espectador y al cine.

UPDATE:  TOY STORY 3 YA SE ESTRENÓ EN NUESTROS CINES!  “NO TIME TO LOSE”

Advertencia: este texto es obviamente para los que ya vieron la película, en cualquiera de las versiones.

Cortes del director

Por lo general me suelen gustar los cortes del director, porque a veces realmente aportan algo a la película, como son los casos famosos de Blade Runner, que está mucho mejor que la original;  Superman The movie, en la que se profundiza mas sobre el lugar de Superman en el mundo a un nivel filosófico, además de tener mas escenas de acción; Terminator 2, donde nos explicaban como el T800 aprendió a sonreír; y Apocalipsis Now Redux, que aunque mas larga y tediosa, se pone mas densa y rica a nivel político. Por otro lado encontramos casos que no tienen sentido como el del Señor de los anillos Versión extendida (esta no es versión del director me informó Manusiyo) y Alien el octavo pasajero, que solo se hacen mas largas, y otras tantas películas como Hellboy, Cinema Paradiso, Watchmen, etc., que mas bien se lanzan con fines comerciales.

La nueva versión

Donnie Darko es una de mis películas favoritas, pero esta nueva versión me descepcionó un poco. No se si Donnie Darko Director`s cut entraría en este ultimo grupo, ya que si bien sus fines son obviamente comerciales, se nota que la idea es satisfacer a los fans de la película que ya se convirtió en cine de culto, dotándola de mas información para entender la “compleja” trama de la película. Pero lastimosamente los “agregados” minutos de metraje consisten en imágenes del libro ficticio “La filosofía del viaje en el tiempo” que intentan explicar la sucesión de hechos que supuestamente en la primera versión no se entendían del todo. Estas nuevas escenas no aportan realmente nada y más bien perjudican a la estructura narrativa y le sacan justamente el encanto de que el espectador pueda reflexionar e hilar por su cuenta sobre lo que es el tema de la película.

El tal libro (leer aquí) habla de un universo tangencial que se crea cuando un objeto cruza la barrera de la cuarta dimensión en el cual hay un receptor vivo (Donnie) que debe devolver el objeto al “Vortice temporal” para evitar la destrucción del universo primario al cual originalmente pertenece. Me pregunto ¿Para qué saber esto?

No me parece vital tratar de leer o entender el famoso libro ya que en la película original estaba todo, con solo prestar atención a los diálogos de los personajes y reflexionar un poco ya se entiende, en todo caso si el espectador mas ávido por profundizar la película a un nivel filosófico puede leer dos libros (sin pasarme de intelectualoide) : Historia del tiempo de Stephen Hawking (que se ve en la película) y Ser y tiempo de Martín Heidegger, ya que Donnie Darko realmente se vale del fenómeno y la paradoja del viaje en el tiempo como excusa para hablar de la predestinación del hombre, del Dasein de Heidegger, el hombre que es posibilidad de morir y debe enfrentarse a ello.

El Dasein (del alemán Ser-ahí) es el hombre (todos nosotros) cuyo inevitable destino es morir, y que se atormenta por la muerte sin hacerla propia, o sea, se justifica en la premisa del “los otros mueren, yo no” no asumiéndola o tratando de detenerla con el “aun no”. Donnie Darko lucha contra la muerte predeterminada, que se manifiesta de alguna manera como Dios o el determinismo, pero que realmente es la inevitable muerte, para lo cual se vale de la paradoja del viaje al tiempo que le muestra  que sencillamente debe morir, esto esta claro en el momento en que varias tragedias suceden por el simple hecho de que él no estuvo en el lugar donde debería, así de simple. No es, aclaro, una metáfora a favor del determinismo cristiano, sino mas bien sobre la fatalidad. El Dasein recién está completo o cerrado, es total, cuando asume la muerte como parte de su ser, y es lo que sucede con Donnie Darko.

Un problema también hay cuando el espectador trata de encontrar una explicación racional a todo, cuando el mismo autor no busca eso, y Richard Kelly sabotea su propia película con esta versión Director´s Cut, en la que agrega un poco de “razón” y se pierde el poder de la metáfora deteniéndose en justificaciones y enredándose mas con cosas como el “receptor” y el “objeto metálico” y demás. El único elemento racional justificado es el hecho de que Donnie Darko sea un esquizofrénico, ya que su estado mental es el punto de partida para todo, pero eso ya estaba en la primera versión. No hay más complicaciones.

Se crea con el libro  una incoherencia grande, ya que Donnie leyó el libro y en este ya están todas las respuestas, no tiene sentido que solo al final de la película trate de comunicarse con la escritora, mas aun teniendo en cuenta que ya en la primera pagina del mismo se advierte que “el que lo lea contacte con la escritora lo antes posible”. Además la subtrama-contexto político, sigue siendo anecdótica en esta versión, por más que en un día de “octubre de 1988”, es cuando Donnie tiene su primera visión, mientras se da el debate político  Bush vs Dukakis, que será decisivo para la elección Bush y todo lo que se viene con su gobierno; pero no encontramos otra relación a no ser de interpretar la victoria de Bush como otra fatal predestinación del país de D. Darko.

De igual manera es interesante conocer esta versión para saber que más tenia en la cabeza Richard Kelly, por más que las nuevas escenas incluyan mas de la actuación de Drew Barrymore, que nunca estuvo tan mal (se nota que era la productora).  Volvemos así al famoso debate sobre la ciencia ficción ¿Qué importa CÓMO el hombre invisible se hace invisible? Lo que importa realmente es “QUÉ pasa cuando se hace invisible”. H.G.Wells, solo ocupa 2 paginas, de mas de 100, para explicar el fenómeno de la invisibilidad en su obra, lo que vale es el resto. Así que, desde mi humilde punto de vista, Richard Kelly no necesitaba agregar nada más.

En fin, gracias a Manusiyo Kurosawa por conseguir la película que se presentó en el Cine Tia en Planta Alta ayer y a Marlene Sautu por presentar, investigar y debatir la película, que tanto hace falta, por más que (como siempre) pocos se queden para el debate. Me parece buenísimo que este tipo de películas se pasen en los ciclos de cine.

Mi crítica en ELPORORO.com aquí.

Saturándonos con películas de vampiros que brillan al sol para adolescentes, por suerte,  se lanzaron dos películas de vampiros muy diferentes a lo acostumbrado. Una de ellas es la ultima obra del surcoreano Park Chan Wook llamada Thirst, una película difícil como todo lo que hace este cineasta y de la que hablaremos en otra ocasión. La otra película es la que nos toca, la sueca Criatura de la noche, de lo mejor que se hizo en estos últimos tiempos sobre la temática vampirica.

La premisa es sencilla: Oskar (Kåre Hedebrant), es un niño de 12 años que es constantemente humillado por sus compañeros, vive en un suburbio de Estambul en donde un día conoce a Eli, una adolescente que ha acabado de llegar y que resulta ser una vampira y lógicamente una serie de asesinatos van ocurriendo porque Eli (Lina Leandersson) necesita alimentarse.

Si el vampirismo en la historia del cine sirvió como excusa para hablar de los más oscuros y recónditos lugares de la psiquis humana, desde las alegorías sexuales de Entrevista con el Vampiro hasta el comentario político del Nosferatu de Herzog (o la abstinencia sexual y promover el machismo de Crepúsculo), el director Thomas Alfredson propone una película desconcertante y fuerte que una vez mas se vale del tema para hablar de lo impredecible y verdaderamente monstruosa que la humanidad puede llegar a ser.

Oskar es un niño frágil, solitario, con cierta carencia de afecto y por más que su madre, en el poco tiempo que esta con el, trata de ofrecerle cariño, esto no es suficiente en comparación al tiempo que este se encuentra solo o a merced de los bullies en el colegio. Su pelo rubio y largo y su piel excesivamente blanca refuerzan esta vulnerabilidad e incluso le dan un aire andrógino. Eli por su lado es una respuesta a Oskar, es lo que el esta necesitando en el fondo, a parte de una amiga o novia, alguien que le de seguridad; pero lo mismo no siente el espectador ya que, por mas tierna que se vea Eli por momentos, realmente su presencia en escena es bastante desconcertante y sombría. Por su parte Hakan (Peg Ragnar) como el servidor de Eli resulta un personaje fascinante al demostrar cariño e incluso celos por Eli, sugiriendo la posibilidad de una relación amorosa pasada con ella, algo que agrega otra dimensión ya que no nos cuentan quien es realmente el personaje.

Estamos hablando de un drama, más que un terror, ya que nos interesa mas las relaciones entre los personajes que los sustos y efectos especiales; estos últimos son mínimos pero bien logrados. El guión acierta en su sencillez y sutileza y es valiente por lo que cuenta, ya que lo que realmente estamos presenciando es como un niño puede llegar a convertirse en un asesino y lo más terrorífico es que no estamos hablando precisamente de la vampira, lo que enriquece a la obra convirtiéndola en uno de los mejores ejemplares del genero. Lo siguiente contiene spoilers: Vale mencionar un detalle interesante del trabajo de guión que nos trae un momento en el cual Oskar encuentra el bastón de Hakan y lo utiliza, casi como un paso literal de toma de bastón, ya que lo que sucede es precisamente eso; Oskar lo reemplazara para servir a Eli.

La puesta en escena resalta por la frialdad de los espacios, que definen el estilo fotográfico; nunca estuvo mejor justificada la fotografía desaturada, sombría y fría tan utilizada en el genero (a veces como cliché), como en esta, así, los personajes casi se pierden con el blanco de la nieve y el gris del cielo, como también la sangre se ve mas grave y contundente dentro de ese blanco.

Con una secuencia final terrorífica y muy bien lograda que tiene lugar en una piscina, que justamente se destaca por jugar inteligentemente con el fuera de campo (pocos explotan ese lenguaje), Criatura de la noche es un proyecto arriesgado tanto en lo temático como en lo narrativo que también se puede prestar a malas interpretaciones vista de manera superficial, por la ambigüedad  que tiñe a la película por momentos, pero justamente eso constituye uno de sus valores, ya que en lo mismo hay una intención.

Película recomendadísima que increíblemente se estreno en nuestras salas de cine y estuvo por un buen tiempo, estamos evolucionando.

500 días con ella es una comedia romántica independiente (¿?) hecha para convertirse en cine de culto. Los mecanismos y juegos narrativos que utiliza el director Mark Webb para dotar a la película de originalidad y diferenciarlas del montón no son más que una sucesión intermitente de buenas ideas, pero que en el todo, no funcionan.

Fragmentando temporalmente la historia, viajando a cualquier momento de la vida de Tom (Joseph Gordon Levitt) para contar sobre su relación con Summer (Zooey Deschanel) de quien esta obsesionadamente enamorado, la película se vale de un narrador que al principio nos sitúa en el mundo de Tom, un recurso poco original pero que funciona, mas tarde, hace lo mismo con  Summer, presentándola como la chica de los sueños de cualquier hombre. El salto temporal se cuenta a través de un dibujo, que va variando en atmosfera de acuerdo al momento en que caiga la narrativa, un lindo detalle de la película.

Uno de los problemas de 500 días con ella es la dirección de Mark Webb, quien intentando alejarse del tono azucarado típico del género, se va al otro extremo y no logra emocionar al espectador. Eso se refleja en las actuaciones que están apagadas, monocordes o hasta robóticas. Talvez Gordon Levitt, que suele ser un actor muy competente, llega a salvarse gracias a la inevitable identificación del espectador con la situación de su personaje, pero su actuación sigue siendo pobre. Por su parte Zooey Deschanel no transmite nada gracias a su inexpresividad y manera de hablar perezosa que se quiere confundir con naturalidad y su personaje realmente carece de carisma.

Lo que nos lleva al guión. Este tiene muchos aciertos, como las referencias a otras películas del género y de la historia del cine, el juego con los formatos documentales con entrevistas, el musical insertado en una escena que resulta divertida y una secuencia en particular en la que vemos en pantalla dividida y en paralelo, las expectativas de Tom en un lado y lo que sucede en realidad en otro. Contraponer momentos en los que Tom esta bien con Summer con los que no, también resulta una buena idea, pero esta hecha de manera muy obvia y molesta. Ni hablar del típico recurso de la niña preadolescente que habla como adulta y aconseja a Tom.

Pero el principal tropiezo del director Mark Webb esta en que no desarrolla la relación de Tom con Summer, justamente gracias a su necesidad de fragmentar, que convierte la narrativa en episódica y, además, no podemos entender como Tom puede estar tan enamorado de una mujer tan antipática como Summer, no nos basta con la introducción que nos dio el narrador sobre ella, tampoco basta que comparta los mismos gustos musicales con Tom ni que tenga lindos ojos, al final realmente poco nos importa si Tom se queda con Summer, lo que nos hace perder un poco la conexión con la película.

Beneficiada por un final atípico aunque tampoco muy original que digamos, 500 días con ella es una película llena lindas ideas que realmente la diferencian y se valoran, pero están mal insertadas; el típico caso en el cual la forma no está a disposición de la historia y que falla en el momento en el que la principal premisa no es “contar una historia” sino “contar de la manera mas original y diferente posible” y que el espectador se de  cuenta de eso es lo peligroso.

Película clave del movimiento Dogma 95, fundado en 1995 por Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, Festen o La celebración es a mi parecer lo mejor que se produjo en ese grupo de películas de tan limitado parámetro de realización. Resultaba que la reacción de Lars y compañía contra el cine mega comercial y súper elaborado, algo parecido a la reacción de los críticos de la Nouvelle Vague contra el cinema de qualité (1), al final no fue mas que una autolimitación contradictoria ya que liberaba al cine de las limitaciones creativas dadas por lo comercial y espectacular, pero al mismo tiempo volvían a limitar al autor con sus preceptos que no solo afectaban el aspecto técnico de realización (35mm, luz natural, cámara en mano, sonido directo, etc.), sino que también al mismo universo de la ficción (acción superficial, realismo, etc.) esto ultimo totalmente ridículo ya que la ficción empieza en el momento en que escribís un guión que te has imaginado, para determinados actores y puesta en escena; por lo que considero, en comparación,  a la Nouvelle Vague como un verdadero ejemplo de libertad, mas que el Dogma, que su nombre ya lo dice todo. No obstante el movimiento concibió buenisimas obras.

Hablemos de esta obra maestra que es Festen. Una película muy bien narrada y con personajes interesantísimos, que se jacta de un guión bien armado y complejo, con algunos problemitas y cabos sueltos, pero pocos, a lo que se suman como broche unas actuaciones impresionantes y la improvisación. Lo irónico es que el estilo “Dogma” realmente no le favorece, más bien distrae por momentos y los movimientos de cámara llegan a ser muy brutos, por más que la cámara en mano y la idea de generar tensión sea el criterio, se podría haber optado por mas prolijidad, pero así no lo quiso Vinternberg y por suerte los personajes y la historia son mucho mas fuertes y lo dejamos pasar.

La historia gira en torno a tres hermanos, Christian, Michelle y Helenne quienes se encuentran en el 60 cumpleaños de su padre, un millonario dueño de una cadena de hoteles, poco tiempo después del suicidio de su hermana. En plena celebración Christian decide sacar afuera los más íntimos secretos de familia, que posiblemente tuvieron que ver con la muerte de su hermana y que guardan relación con el pasado de su padre, generando gran incomodidad; moviendo el avispero de una alta sociedad hipócrita que se esconde detrás de sus cristales, joyas, grandes banquetes y ropas caras.

Los actores están impecables, en especial Christian, interpretado por Ulrich Thomsen. La temática es fuerte y el momento en que Christian da su primer discurso y revela un secreto, es sorprendente, impresionante, una escena tensa e incomoda en la que los demás personajes a excepción de Christian, se quedan estupefactos así como el espectador. A partir de ahí se da un duelo de discursos repletos de tensión entre los personajes, que va subiendo cada vez mas en gravedad. Es interesante, por ejemplo, como la madre de Christian trata de ningunearle indicando que este siempre fue imaginativo e inventó cosas, con una ambigüedad única que no sabemos si ella está realmente al tanto de las revelaciones y se cree realmente lo que esta diciendo o talvez sabe y, como ya es su costumbre, se limita a sonreír con una mascara constante. El personaje de Michelle, uno de los hermanos, con toda su antipatía y racismo, al final logra cierta conexión con el espectador, ya que logramos entender su frustración y la necesidad de aprobación de su padre, así también como su insistencia en defenderlo. La sugestión de una relación incestuosa entre Michelle (interpretado de manera intensa por Thomas Von Larsen) y Helenne (una bella y vulnerable Paprika Steen) perturba pero no llega a molestar, esto es otro logros del guión que esta repleto de sutilezas. Lógicamente el personaje mas complejo entre los hermanos es Hellene, quien aun se muestra muy afectada por la muerte de su hermana y cuya sensibilidad en muchos momentos se contrapone a su determinación. Por otro lado, aparecen personajes como el cocinero de la familia y otros que no se cierran, quedamos sin conocerlos y pasan poco de lo meramente funcional.

Vinterberg en esta película demuestra ser un excelente guionista y narrador con la cámara, aprovechando el Dogma para realizar algún que otro juego visual interesante. Toma como motivo  alegórico el agua ya que varios hechos tienen que ver con este elemento: la película abre con el agua que ocupa todo el plano en desenfoque, el suicidio de la hermana ocurre en una bañera, el secreto que tiene que ver con el padre es en el baño, Christian bebe y pide agua en varios momentos en el banquete y, talvez la indicación mas clara, en una secuencia que muestra a los tres hermanos en paralelo, el clímax se da con un vaso de agua que cae al suelo y se rompe, mientras uno de los personajes se esta duchando, indicando que ha llegado el momento de las revelaciones. Así, el agua funciona como metáfora de la purificación ya que estos personajes buscan limpiarse de los hechos pasados y renacer. Lastimosamente por las limitaciones del Dogma, el elemento “agua” no pudo ser explotado en todo su potencial, conociendo el valor dramático de la lluvia (algo que el maestro Kurosawa manejaba con excelencia) existe una escena clave que hubiera subido en valor alegórico y dramático en caso este recurso fuese utilizado, lo que es un desperdicio.

Demostrando que realmente poco importan los recursos técnicos si es que lo dramático esta logrado, a través de un guión sólido y fascinante, una puesta en escena sencilla y actuaciones muy logradas, Festen es una inspiración para todos los realizadores con escasos recursos, como en nuestro medio, que buscan contar historias pero se ven limitados por lo económico ya que, fuera lo de usar cámara en 35mm, Festen es una película que bien podría hacer sido realizada con una cámara minidv y un boom, con un grupo mas reducido de gente y el efecto en el espectador hubiera sido el mismo, porque lo mas importante ya esta solucionado.

(1) El cine francés que la Nouvelle Vague criticó, llamado cinema de qualité, fue el que se realizó en las decadas del 40 y 50 y se caracterizaba por su academicismo, los guiones pulidos y la subordinación a la fuente literaria y a las estrellas, quienes incluian solo a los directores de “renombre” que pasaban los 40 años de edad y tenian una trayectoria larga en la industria.

El hijo de la novia (2001)

Cita romántica infaltable, el Hijo de la novia es la marca de Campanella y donde de alguna manera establece que es lo que quiere contar con su cine. Si bien en cuestiones de forma se rinda al melodrama y a la formula Hollywoodiana, su dirección sencilla y un guión impecablemente escrito la convierten  en una gran película.

A la película le cuesta un poco arrancar. Conocemos a Rafael (Darin) como un personaje casi insoportable al principio, obsesionado con su restaurante (anteriormente de la familia) al que no le va bien y le ofertan la compra; y su vida privada echa un desastre (ex esposa e hija incluidas) hasta que conocemos a Nino, su padre (Héctor Alterio) un hombre fascinante que llega con la idea  de cumplir el sueño de su esposa Norma (Norma Alejandro) de casarse por iglesia. Norma tiene alzhéimer y se encuentra internada en un geriátrico. Esto de alguna manera cambiara a Rafael.

En el desarrollo van apareciendo personajes interesantes como el amigo de Rafael, interpretado por Eduardo Blanco, quien tiene claramente la función de generar los momentos cómicos y que al principio pareciera que esta insertado con ese único fin, pero llega a ser un elemento importante para retratar Rafael y para el desarrollo de la trama. Lo mismo sucede con la novia de Rafael, interpretada por Natalia Verbeke. Por suerte los personajes se vuelven más interesantes y complejos a medida que se desarrolla la historia.

Con lindos diálogos y situaciones emocionantes, el guión no solo habla del amor incondicional de Héctor hacia Norma, sino de la incapacidad de Rafael de amar y la necesidad de aferrase a la memoria. De alguna manera el restaurante representa el pasado de Rafael y a su madre y a este le cuesta abandonar la idea de mantenerlo, aunque tenga una propuesta de compra muy jugosa. Ricardo Darin esta impecable como un personaje que genera distancia de las demás personas como defensa y que busca la aprobación de su madre. La mirada de Darin cuenta mucho más que sus diálogos y eso Campanella aprovecha con sus primeros planos, como en la escena en la que éste observa a su madre alejándose en los pasillos del geriátrico. Lógicamente Alterio, Alejandro y Blanco también están impecables, pero lo mismo no se puede decir de Verbeke quien está irregular, pero porque el guión no se toma tiempo para ella.

Con planos de gran inventiva, como el de Rafael sentado de espaldas  a una vidriera de un rascacielos con un efecto que pareciera que se cae en un precipicio y emocionante en todo su metraje, El Hijo de la novia es cine para ver con los padres, las novias/os, los hijos/as o los amigos/as, el perro…etc., por su sencillez y ternura, que además aprovecha para hablar sobre la vejez y la vida. Toda una lección.

Luna de avellaneda (2004)

Con el plano inicial de Luna de Avellaneda, Campanella ya nos propone una metafora sobre lo que trata, una película de perdedores y frustraciones. Una obra emocionante como el Hijo de la Novia, repleta de momentos tan auténticos que nos resulta inevitable no vivir lo que los personajes viven, gracias a la sensibilidad de Campanella.

Luna de Avellaneda es un club de Barrio fundado en la década de los 40, y que se ha convertido en la vida de un grupo de socios y  de la comisión directiva, integrada por  Román Maldonado (Darin) y Amadeo Grimberg (Blanco), el dúo dinámico de Campanella. La rutina del club de barrio cambia cuando el municipio quiere vender el club para construir un casino en la zona. Mientras Román observa como su matrimonio va en decadencia.

Con la misma magia y sencillez, Campanella nos cuenta una historia parecida al Hijo de la novia, o rescata elementos para desarrollarlos más. Así, en vez del restaurante de la anterior película, al que había que dejar ir, tenemos en este caso al club. La gran diferencia esta en que Campanella no solo se centra en Román sino que da oportunidad a otros personajes interesantísimos como el Amadeo de Eduardo Blanco, que es casi un protagonista y cuya historia de alcoholismo e inseguridad, sumado al romance con una nueva profesora de danza del club, es sensiblemente desarrollada, aunque por momentos notemos que Campanella, rindiéndose nuevamente a la formula, la vuelva un poco predecible. También se da espacio a la ex mujer de Román, Graciela, interpretada de manera impecable por Mercedes Moran, aunque tenga poco tiempo en escena, el drama de Graciela nos llega bastante.

Obviamente la película es de Darin y es inevitable no sacarse el sobrero en la inesperada escena en la que este descubre algo y con mínimas expresiones notamos la decepción y sorpresa del personaje. Campanella nuevamente demuestra ser un gran director de actores, sacando buenas actuaciones a un elenco bastante homogéneo. Blanco está mas contenido que en su anterior actuación y le va mejor lo dramático que lo cómico, aunque por su misma presencia física el actor resulte simpático.

Con un final mas amargo que El Hijo de la novia y, por lo mismo, mas valiente a nivel narrativo. Luna de Avellaneda es a mi criterio la película mas lograda  de Campanella ya que además de proponer un relato intimista, también habla de una condición social y de un club de barrio y su importancia en la construcción de la identidad y la memoria, como espacio de interrelación humana sana y sincera. Un relato sencillo que ya es su marca registrada, pero complejo y grande por lo que cuenta.

El secreto de sus ojos (2009)

Esta vez Campanella cambia de registro y si bien el móvil o motiv sigue siendo la historia de amor, con el Secreto de sus ojos entramos en el campo detectivesco y de época.  La buena noticia es que le va bien al director argentino.

Existen hechos en el pasado que marcan a uno. Dependiendo del caso pueden ser hechos más o menos relevantes pero que jamás uno olvida, o a veces cree haber olvidado para solo darse cuenta muchos años después que le ha marcado para toda la vida.

Basada en la novela de Pablo Sacheri, El secreto de sus ojos cuenta la historia de Benjamin Esposito (Darín), secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires que está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con un brutal asesinato y violación ocurrido en 1974 lo lleva a revivir aquellos años de violencia, trayendo al presente los hechos y  una historia de amor con su compañera de trabajo (Soledad Villamil), a quien ha amado en silencio durante años y quien es, en parte, su motivación para escribir la novela, ya que ella ha sido también protagonista de los hechos.

De alguna manera la necesidad de guardar o registrar la memoria en El secreto de sus ojos, es como el caso del restaurante y la madre de Rafael en el Hijo de la novia y el Club luna de Avellaneda para los socios de éste  y la película gira en torno a sobrevivir o superar ese recuerdo, así como las anteriores obras de Campanella.

Esposito es afectado por el amor que el marido de la victima (un perturbador Pablo Rago) demuestra por ésta y por como este encara el crimen.  A manera de Flashback seguimos la investigación de Esposito, sus conflictos con su mejor amigo y compañero sumido en el alcoholismo, interpretado esta vez por Franccella, quien está irreconocible y excelente (reemplazando acertadamente a Blanco) y las trabas del mismo sistema que no funciona.

Rica en detalles, desde los mas sutiles juegos de miradas entre los personajes, hasta los mas obvios, como un juego con una puerta; la investigación está retratada de manera interesante por el guión y los ojos son el punto clave para la misma ya que a través de los mismos se tiene pistas sobre el posible asesino haciendo honor al titulo, aunque por momentos la trama se tire un poco por las coincidencias y esto tienda a lo inverosímil; ésta representa uno de los mejores elementos de la historia ya que los personajes la encaran con intensidad y Campanella domina el ritmo.

Si antes podíamos decir que Campanella proponía una puesta en escena sencilla, en este caso empieza a jugar con la estilización,  porque esta haciendo cine de género y este tiene sus exigencias narrativas; así,  se destaca un increíble plano secuencia que inicia desde un plano general sobre un estadio de futbol y entra entre el publico en el estadio siguiendo a los personajes hasta los pasillos del estadio en plena persecución y terminando en el medio de la cancha, sin cortes aparentes. También Campanella busca con sus encuadres y composición mantener una constante tensión entre los personajes, dejándolos siempre muy cercanos, casi solapados, en especial en los planos/contraplanos.

La caracterización  y el maquillaje de los personajes en sus respectivas edades, ya sean envejecidos o rejuvenecidos, es efectiva así como el diseño de producción y la ambientación de época que tira hacia lo monocromático, con colores pálidos pero que no dejan de ser cálidos en el caso de la oficina de Esposito.

Con un final impactante a nivel de historia pero narrado de manera torpe y con un lenguaje tendiendo a lo televisivo, apoyandose en flashbacks y repeticiones,  que llega  a molestar por salirse de la sobriedad propuesta en toda la película, El secreto de sus ojos es una muy buena película, aunque si tengo que elegir entre las tres revisadas no es lo mejor de Campanella y  me quedo con Luna de Avellaneda.